Enrique Centeno

Luces de Bohemia *

2012-01-27T16:19:00.000-08:00

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Autor: Ramón María del Valle-Inclán.

Intérpretes: Gonzalo de Castro, Enric Benavent, Isabel Ordaz,

José Angel Egido, Fernando Albizu, Jorge Bosch. Ángel Burgos,

Jorge Calvo, Javi Coll, Manuela Cordero, Rubén de Eguida, Sergio

Gómez, Adrián Lamana, Jorge Merino, Nerea Moreno, Luis Prado,
Miguel Rellán, Marina Salas.

Música: Xavier Alberto.

Escenografía y vestuario: Lluc Castells.

Iluminación: Albert Faura.

Dirección: Lluís Homar.

Teatro: María Guerrero (CDN). (20.1.2012)

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No hemos visto a Max

En este montaje de Luces de Bohemia se ha querido aprovechar la siempre poesía de las acotaciones, lo cual se hace en ocasiones. Aquí se proyectan los textos –letras en mecanografía, como si así pudieran aparecer los manuscritos-, lo cual agradecemos para imaginar cada escena. Porque éstas no las veremos.

En la primera, indicó Valle-Inclán –como siempre- el lugar de la acción. Como anunciamos, no aparecerá en ninguna de sus once escenas. Marcaba a Max Estrella, “hombre ciego, es un hiperbólico andaluz”. Arranca hablando con tristeza, y aquí el actor mantendrá al personaje en tenues voces: tanto, que durante gran parte no lo entendemos con claridad; debemos adivina las cosas que dice. No pasa sólo con él, sino a una buena parte de los personajes, aunque sí agradecemos aquí a su mujer, Madame Collet, que lo hace magníficamente Isabel Ordaz.

A la salida del viaje, irán Max y su imprescindible Don Latino de Hispalis –“mi perro”, le denominará- dirigiéndose hacia La Cueva de Zaratustra, en el Pretil de los Consejos (Madrid, calle Mayor), para bajar a la cutre tienda de libros, reclamando su mal pago a unos libros vendidos. Para descender a esa librería, aquí se utiliza una pasarela –puente- metálica con escalera, también de hierro: tal es este pretil (En la tradicional Noche de Max -se hace en el atardecer madrileño, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro-, la congregación irá recorriendo la noche bohemia, desde el inicio en el Pretil de los Consejos; aquí sí que lo vemos). Al híbrido y siniestro Zaratustra lo crea un estupendo actor, Miguel Ángel Egido, que interpretará otros dos personajes; uno será el sepulturero del cementerio, a donde el ciego llevó a Rubén Darío: a este camposanto bajan también por ese armazón férreo. Es lo que se le ha ocurrido al respetable escenógrafo Castells –catalán- para mostrar aquel mundo madrileño.

(En diversos montajes, los espejos de este calidoscopio de Luces se consiguen, y en otros se menosprecian. El primero fue de aquel director imprescindible, José Tamayo; y es obligatorio, en el estreno de hoy, referirse al que hizo en este mismo teatro María Guerrero, Lluís Pasqual, con un explosivo trabajo (26. 10.1984) de gran reparto, con José María Rodero, Carlos Lucena o Manuel Alexandre, por citar algunos de los históricos actores).

El directo Lluís Homar –a quien admiramos como extraordinario actor- conduce con muy poco sabor. Diálogos de ritmos muertos, de pausas y silencios entre frases y respuestas, como perdidos o pendientes del apuntador entre respiraciones. Esto no es posible; asombra, como si estuvieran todavía en los primeros ensayos. Max, el sarcástico y ciego vidente, pasa por los infiernos como un inocente, algo extraviado o conformado. Se encarga de este personaje el conocido actor Gonzalo de Castro. La escena entre él y el anarquista es ya un diálogo impresentable.

Se descaró Valle-Inclán en su conocida frase: “No he escrito ni escribiré para los cómicos españoles”. Algunos años después se hubiera arrepentido ante nuestros actuales actores. Y en estas Luces de Bohemia hay un formidable y envidiable elenco de intérpretes –especialmente el de todas ellas, como la perfecta creación de Pisa-Bien que hace Nerea Moreno -sus mejores escena son las de la Taberna de Pica Lagartos- y La Lunares, tierna puta que clava Marina Salas. Y es falso, por ello, echar la culpa a ninguno de ellos.

Enrique Centeno

Los sueños de mi prima Aurelia ***

2012-01-24T12:31:00.000-08:00

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Y OTRAS PIEZAS

Autor: Federico García Lorca.

Dramaturgia: Ángel García Galiano, Miguel Cubero.

Intérpretes: Ascen López, Ione Irazabal, Ester Bellvert,

Cristina Bernal, Teresa García, Rosa Manteiga, Daniel

Moreno, Roberto Mori, Elena Oliver, Ernesto Arias.

Iluminación: César Linares.

Éscenografía y dirección: Miguel Cubero.

Teatro: La Abadía. (19.1.2012)

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A él lo mataron antes

Estos nuevos manuscritos se trabajaron en la Residencia de Estudiantes, y nos muestran un extraño y apasionante montaje teatral. Se llama –primer enigma- Los sueños de mi prima Aurelia Y otras piezas del teatro inconcluso. Fueron dos obras póstumas de García Lorca las que se hallaron, El Público y Comedia sin título, algo inacabadas, especialmente la segunda de ellas, que conocíamos con errores o con confusiones. Sus textos fueron cuidadosamente trabajados, para ofrecernos –cuarenta años después- estas obras maestras.

Este impresionante teatro poético es, en realidad, y así lo notifican, la puesta en escena de unos textos escritos como Diario, partiendo de sus primeros años. Son breves episodios, sencillos y sentimentales, situados en 1910, con un niño que se llama Federico García Lorca (de 12 años). Son párrafos o notas sueltas, cuartillas o cuadernos, en los que tomaba sus recuerdos para un proyecto.

Fotografías de Ros Ribas

Escribía aquello durante el mismo verano en el fue asesinado. Los textos pertenecerían, por tanto, a su intención de una serie de temas granadina, lo que, de hecho, se anticipó en su Doña Rosita la soltera –del año anterior-, personaje que, de algún modo, aparecerá en estos escritos. Su Granada le llamó ya desde el principio de su teatro. Imposible no recordar hoy aquella granadina Mariana Pineda, una de sus primeras obras. En la dramaturgia de este montaje, Ángel García Galiano y Miguel Cubero seleccionan y ordenan las líneas con una inteligente versión.

Más conocido como actor, Miguel Cubero se ha encargado se la dirección -también aparece en escena- con una sensibilidad permanente. Cuadros unidos en los que vemos la dulce farsa, las sombras, el sentimiento y el surrealismo expresivo, picasiano. Juegos riquísimos en las acciones y en iluminaciones, con ambientes chocantes en imágenes plásticas y volantes. Escuchamos al principio una de las canciones tiernas -aires sin cadenas-, en la voz de Amancio Prada, con uno de sus títulos dedicados a Lorca. Es un formidable reparto; se percibe el entusiasmo poético, el encanto de ellos mismos hacia los numerosos personajes.

El reparto es numeroso, impecable: trasladan con evidencia el propio entusiasmo y entendimiento de sus personajes; sonrisas, canciones al piano, burlas, amores o disgustos. Son tan tiernos los intérpretes como los propios personajes. Pasan al otro lado del proscenio y enamoran al público. No habíamos visto nunca tanta ternura sobre las tablas.

Enrique Centeno

En la vida todo es verdad y todo mentira **

2012-01-23T12:47:00.000-08:00

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Autor: Calderón de la Barca.

Versión: Ernesto Caballero.

Intérpretes: Carmen del Valle, Ramón Barea, Karina Grantivá,

José Luis Esteban, Iñaki Rikarte, Jorge Machín, Paco Ochoa,

Jorge Basanta, Jesús Barranco, Miranda Gas, Sandra Arpa, Diana Bernedo,

Marta Aledo, Georgina de Yebra, Borja Luna, Paco Déniz.

Dirección musical y arreglos: Vanesa Martínez.

Escenografía: José Luisaymond.

Iluminación: Paco Ariza.

Dirección: Ernesto Caballero.

Teatro: Pavón (CNTC). (19.1.2012). CNTC

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Política y fantasía

De Calderón, entre sus más de cien dramas, se ha querido estrenar este En la vida todo es verdad y todo mentira. Tiene una complejidad de tema y de contenido: político, filosófico, mitología o fantasías. Y encontraremos una relación con las tragedias que Shakespeare -salvando la distancia- trató como testimonios históricos de su país. Es quizá uno de los motivos que ha conducido al director Ernesto Caballero.

En realidad, lo que más nos ha satisfecho de este montaje es el arte escénico -suerte de que ya se haya cambiado la dirección de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC)-, porque el olvidado título –como tantos otros- se ha quedado en tercer lugar. El mayor valor del teatro áureo es la construcción –a partir de Lope- y, sobre todo, las maravillosas versificaciones. En esta obra no existe esa gran calidad y riqueza; carece de esos juegos poéticos, los atractivos diálogos estróficos o el ritmo vital de sus textos.

En su propia versión, Caballero ha ido trasladando las Jornadas a diferentes tiempos. Esto hace salvar la pesada y difícil explicación de esta historia que inventó Calderón. Pasa de la antigüedad –hasta con personajes en faldas de kimono-, a los cañones de guerra y a una plástica luminosa del XIX.

Quien da calidad e interés a este montaje no es la formación de nuestro mejor Barroco, sino el buen reparto, la escenografía y la inteligente dirección.

El emperador de Constantinopla, Focas, tirano y asesino, quiso viajar a una isla siciliana para buscar a un arrojado y desparecido hijo. Y allí se encontrará con dos jóvenes, sin que pueda adivinar cuál de ellos es su descendiente. El actor Ramón Barea compone una figura, una creación riquísima, potente y magistral. Mejor le valdría verle en Lear, porque tiene que sostener infinitas ristras de romances; cuánto habrá trabajado.

Resultaba que uno de ellos –Heraclio- era, en realidad, hijo del rey a quien mató Focas. El segundo –Leonido- será el hijo auténtico del dictador. También lo hacen formidablemente Iñaki Rikarte y Jorge Machín, en sus tratamientos de la amistad, la separación, el enfrentamiento físico –insuficientes en estas escenas- y, finalmente, la entrega de la corona al verdadero heredero, Heraclio. Y como debía de ser, el final del Emperador, con la demostración de que En la vida todo es verdad y todo mentira.

El espectáculo atrae únicamente por la belleza y, por encima de todo, el formidable conjunto de intérpretes. Esa Libia valiente, o la dulce Cintia, permiten admirar a las estupendas actrices Karina Grantivá y Carmen del Valle. Es un largo reparto de conjunción, con voces, ritmos, versificación y creaciones de personajes. Casi nunca lo hemos visto en las obras habituales de la CNTC –ya siempre los mismos- donde cada cual decía los versos como podía, o como no, los enseñaban. Claro que había grandes actores, pero no un buen director que solo se ocupaba de sí mismo. Caballero lo ha sabido hacer sabiamente, y los actores dan una lección. Qué pena la elección de esta obra. Sus trabajos en los clásicos mostraron su interés; hace veinte años, con Eco y Narciso, de Calderón (Sala Pradillo, 1991), o para la CNTC con Sainetes, de Ramón de la Cruz (2006), uno de los más importantes y formidables montajes. Seguro que volveremos a aplaudirle ante otro título.

Enrique Centeno

El cordero de ojos azules **

2012-01-19T12:40:00.000-08:00

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Autor: Gonzalo Demaría.

Intérpretes: Leonor Manso, Carlos Belloso,

Guillermo Berthold.

Música: Gerardo Gardelin.

Vestuario: Julio Suárez.

Escenografía: Gonzalo Córdova.

Dirección: Luciano Cáceres.

Teatro: Fernán-Gómez. (13.1.2012)

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La epidemia del efectismo

Nos menciona el autor argentino Gonzalo Demaría, la peste que , en 1871, asoló la ciudad de Buenos Aires con miles de víctimas y muertos. E imagina que, en una especie de sótano, aislado en la Catedral, permaneció encerrado un pintor –madrileño- a quien se le había encargado un cuadro de Santa Lucía –no sabemos por qué-, sin contar con una modelo para posar.

En aquel lugar se encuentra la encargada –canonesa-, quien confiesa ser fea y nada inspiradora. Cuenta datos de su vida, y del hijo que tuvo con el Monseñor. Este personaje es quien atrae toda la representación, gracias a la extraordinaria actriz Leonor Manso, a quien pudimos admirar hace tres años en este mismo lugar. Lo dirigía el excelente director Luciano Cáceres, como en este El cordero de ojos azules. Junto al actor Carlos Belloso, hace una puesta en escena plena de tensiones, excesivamente permanentes, con interpretaciones algo engoladas y exhibicionistas, en una continuidad sin curvas dramáticas que nos llega a cansar.

(Va un recuerdo a nuestro querido autor, Alberto Miralles (1940-2004), que en el mismo escenario estrenó su magnífico Píntame en la eternidad (1998), donde allí los pinceles retrataban al Papa).

Buscando el pintor –homosexual- una salida para su cuadro, una especie de ángel misterioso aparecerá en escena. Un joven rubio y hermoso, de ojos azules –Guillermo Berthold-, que ante su desnudez –sin una sola palabra- quiere entonces el artista realizar su cuadro. Es un rico espacio recargado, con iluminaciones sobre plásticas expresionistas. Todo es espectáculo en un barroquismo cansino –cruces, viejos muebles o cacharros, una especie de trastero subterráneo-, mostrándose al final una estampa donde el actor aparecerá componiendo uno de los famosos cuadros de San Sebastián, muerto bajo las flechas: ese efectismo que buscan el autor y su director.

Enrique Centeno

Tío Vania ***

2012-01-17T04:43:00.000-08:00

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Autor: Antón Chéjov.
Versión: Santiago Sánchez
Intérpretes: Rosana Pastor, Carles Montoliu, Sandro Cordero,
Xus Romero, Vicente Cuesta, Paca Ojea, Carles Castillo,
Carmen Arévalo.
Escenografía: Dino Ibáñez.
Vestuario: Elena Sánchez Canales.
Iluminación: Rafael Mojas y Félix Marga.
Dirección: Santiago Sánchez.
Teatro: El Canal. (12.1. 2012)
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El fracaso de los amores

El doctor Astrof es un entrañable personaje. Es la soledad de la naturaleza, el gozo en sus paseos entre las plantas y los bosques. Expresa sus sentimientos en un largo texto hermosísimo; un canto poético que casi lo relacionamos con una égloga garcilasiana. Pero hay otro amor oculto, imposible; la esposa de Serebriakov, dueño de esta finca donde transcurre la acción.

Le sirve a Chéjov este lugar para mostrar un encuentro familiar plagado de problemas, de encuentros tensos y críticos. Es el primer testimonio del autor mostrado en El tío Vania, anterior a la decadencia social en su El jardín de los cerezos –quizá el más grande de su obra-, ya en el año inmediato a la Revolución bolchevique.

Perteneció nuestro autor al Teatro del Arte de Moscú, renovador -al que se dedicó el nombre de La Gaviota- cuyo avance, con Chéjov, se debió al creador y director Stanislavski. Lo mencionamos a propósito de este estupendo montaje de Tío Vania que nos ha ofrecido la compañía valenciana L’Om Imprevís. Es verdad que el trabajo actoral es ejemplar, en manos del director Santiago Sánchez, siguiendo las lecciones del ruso. Y, sin embargo, no puede aletear el naturalismo.

La obra se representa en un espacio libre y sin decorado. Sus personajes actúan sobre la sencilla moqueta roja. Es difícil entender este drama realista; imaginarse el mundo en el que se introdujo Chéjov; sumirnos en esa explotada finca y en su caserón; de ver los abusos de Serebriakov de los poderes desnudos. Sánchez sí ha contado con la creación de actores bien conocedores de las leyes de Stanislavski, sin utilizar la conocida cuarta pared –cerrada- obligatoria en las tendencias, ni siquiera una sola pared o las ventanas por las que se ven los lugares. Incluso el público puede ocupar los laterales abiertos. Se rechazará o no el testimonio de aquella Rusia prerrevolucionaria que nos enseña Chéjov y que nos obliga imaginar aquella sociedad. No importa. El hecho es que el público se entrega entre los actores y los personajes. Es el regalo de un reparto formidable, la mayor parte de los intérpretes ya usuales en L’Om Imprevis. El sencillo Doctor Astrof, ya mencionado, enternece en su soñado amor hacia Helena, y lo retrata con brillantez Carles Montoliu. Y la bella y joven esposa del dueño, con su inteligencia endulzada por la actriz Rosana Pastor. Es la segunda esposa del supuesto intelectual, conservador y terrateniente de su posesión, hostil y soberbio como en un sillón real: interpreta este Profesor Serebriakov el actor Vicente Cuesta. Es Sonia, hija del primer matrimonio, quien permanecerá siempre –así continuará, como asegura al final-, trabajando

en la finca, con su imposible deseo de unirse a suTío Vania –cuñado-, creación formidable del actor Xus Romero. Sandro Cordero -otro veterano de la Compañía- se transforma en el principal personaje, el familiar Vania, trabajador, admirador y confiado de Serebriakov; sumiso y ocupado, reaccionará después descubriendo el falso prestigio de ese sujeto. Paca Ojea, conocida en décadas como obediente al “Método” –Stanislavski- demuestra su talento en la nodriza Marina. El viejo amigo Teleguín destacará en sus intervenciones, como en su guitarra que hace bailar a toda la familia; lo hace con mucha brillantez Carles Castillo. Y en su aparente secundario, la viuda se perfecciona estupendamente con Carmen Arévalo.

Solo con excelentes actores es posible representar ejemplarmente a este Chéjov maestro en la creación del naturalismo en conocimientos e incomparables textos. Y aquí, todo es perfecto; aun sin escenario.

Enrique Centeno

Mein Kapital **

2012-01-14T02:18:00.000-08:00

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Autores: Inmaculada Albear, Marta Buchaca,

Francesc Cerro-Ferran, Luis Miguel González Cruz,

Daniel Martus, Raúl Hernández Garrido, Daniel Martos,
Alberto Tola, Helena Tornero.

Dramaturgia: Luis Miguel González Cruz.

Intérpretes: Teresa Urroz, Laia Martí, Daniel Martos, Alfonso Pablo,

Ana García.

Escenografía y vestuario: Silvia de Marta.

Dirección: Cristina Yáñez.

Teatro: Cuarta Pared. (11.1.2012)

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Ni en la Tierra ni en Marte

Es este un mosaico de textos, escritos entre siete autores, cuya dramaturgia –Luis Miguel González Cruz- se rompe organizando un puzzle. Las piezas se interrumpen y regresan. Reestructuración, Helena Tornero; El sudor de tus manos cuando también, Albert Tola; En los bosques de Baikonur, Francesc Cerro-Fernan; Están arriba, Marta Buchaca; Cohachin en Marte, Luis Miguel González; La máquina del tiempo, Inmaculada Albear; El canto de las sirenas, Raúl Hernández Garrido; Un capitalito, Daniel Martos.

La caída progresiva de nuestras sociedades se inicia con el hundimiento de la Unión Soviética. Hay aquí burlas, farsas sobre el ejército, sátira sin piedad al monumento de Lenin, o la aparición caricaturizada de Marx: el título de la obra se refiere, sin duda, a su obra monumental de El Capital; el Mein (Mi) correspondería a Mi lucha, escrita por Hitler. Aquí vale todo. Sucesivamente, entre los diferentes cuadros iremos viendo el transcurso de la decepción familiar, la ausencia del sentimiento de una nueva generación, entre una madre y su hijo. La vaciedad se muestra en una columnista de prensa: casi al final, pasa a la sinceridad escribiendo, al dictado, la indignación del capitalismo, la injusticia, la enfermedad del consumismo o la despreciada ecología.

Fotografías de Popo

Es una especie de laberinto, en el que parece que todos los autores buscarán una salida: el viaje para alcanzar la esperanza, la utopía situada en Marte; una isla de otro satélite. Y, sin embargo, escucharemos en varias ocasiones la conocida canción de Capri, c’est fini. Una triste sensibilidad –como una significada ironía- pesimista. La isla perdida, sin embargo, obligará igualmente a la pérdida, la exigencia y el ahogamiento en la frustración.

Entre el humor, la ironía y la burla, produce esta función una continua diversión, gracias a un excelente grupo de intérpretes –Ana García provoca la carcajada- que muestran un gran saber, bajo la dirección de Cristina Yánez, con brillantez tanto en el humor como en la perdición de estos autores, pesimistas y denunciantes. Quien se oponga, será, finalmente, asesinado.

Como ocurre frecuentemente, la función se basa en la imposibilidad, la sin salida de alternativas, muy frecuente en la última generación de los dramaturgos. Aquí, sólo la ironía o el humor ofrecen resultados o la pérdida incurable.

Enrique Centeno

La mirada de Julia *

2012-01-11T10:44:00.000-08:00

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Autora: Ginés Bayonas.

Intérpretes: Juan Calot, Luisa Armenteros,

Luis Felpeto, Eleazar Ortiz, Carmela Orenes,

Concha Esteve, Encarna Breis, Javier Manzanera,

Rafael Rojas.

Escenografía y vestuario: José Luis Raimond.

Dirección: Juanjo Granda.

Teatro: Círculo de Bellas Artes. (9.2.2000)

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Bostezando a Julia

Acaba de marchar del Círculo de Bellas Artes uno de los espectáculos más hermosos de la temporada, el Galileo, de Bertolt Brecht. Lo ha hecho poniendo el cartel a diario, y ha sido una prueba más de que el público tiene olfato, sabe lo que debe ver, dónde está la calidad, e incluso dónde se encuentra lo insólito. El fenómeno Galileo, creo yo, es altamente representativo sobre todo en este mes en el que, tradicionalmente, las taquillas experimentan una bajada indeseada.

Al mismo escenario de ese Galileo para la memoria, sube ahora una cosa que se llama La mirada de Julia. Resulta completamente inexplicable el porqué, y uno, viendo el espectáculo, se lo pregunta repetidas veces. Se trata de un texto que acomete, presuntamente, el tema de los enfermos terminales de sida, en un extraño hospital, o fundación, que el escenógrafo Raymond, que suele hacer excelentes trabajos, ha ambientado en una especie de vestíbulo de sala de multicines completamente incomprensible. Toda la función se mueve entre el disparate, la vulgaridad y la falta de imaginación, que llega al patio de butacas en cuya atmósfera se respira solamente el aroma de los bostezos. Tiene el texto la calidad literaria de un prospecto de aspirinas; la amenidad de las instrucciones de uso de un electrodoméstico; la tensión dramática de un parte meteorológico y la riqueza de personajes de una guía telefónica.

El pasmo que produce tanta mediocridad es, sencillamente, insólito, y se pregunta uno, para salir del sopor y de la vulgaridad que el texto destila; qué criterio ha llevado a tantas gentes a montar semejante producto, y cuál ha sido el del Círculo de Bellas Artes la programación.

Hay un grupo de actores, también. Incluso está Juan Calot, que es excelente y que consigue huir en algunos momentos del naufragio diletante, espeso, insoportable de sus compañeros de escena. Lo dirige todo ello Juanjo Granda, tampoco sabemos por qué.

Enrique Centeno

La mujer de negro **

2012-01-11T10:42:00.000-08:00

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Autora: Susan Hill.

Adaptación teatral de Stephen Mallatratt.

Intérpretes: Emilio Gutiérrez Caba, Jorge de Juan.

Espacio escénico: Carlos Montesinos.

Vestuario: Rocío Cabedo.

Iluminación: Alfonso Barreda

Dirección: Rafael Calatayud.

Teatro: Infanta Isabel. (15.9.1999)

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Jugando con el miedo

El género de terror, o de misterio, no es fácil en el teatro, sobre todo si se pretende la verosimilitud. La mujer de negro, al igual que el último título visto en nuestros escenarios sobre el tema (Misery, de Stephen King), es adaptación de una novela, de la británica Susan Hill, de la que se ha hecho una buena traslación al teatro. El hallazgo, en esta ocasión, es el juego de teatro dentro del teatro, algo que permite utilizar convenciones, y superponer un mundo real y aparente –el de la sala y el escenario-, con lo que el espectador irá siguiendo la historia que se cuenta. La auténtica trama, aparece como una ficción dentro del doble juego, pero su representación se hace con el mayor verismo hasta conseguir momentos de inquietud y de zozobra.

El primero de los juegos, el que aparece como real, nos presenta a un curioso personaje (Emilio Gutiérrez Caba; no hay nombres) que, como el de Seis personajes en busca de un autor, desea que su historia sea representada, para lo cual contrata a un actor (es Jorge de Juan). La doble representación se alterna mucho,

al principio, hasta que el personaje de Emilio Gutiérrez Caba se presta, decididamente, a ir haciendo los numerosos tipos del relato. Este proceso, en el que el personaje se va convirtiendo en presunto actor, permite a Emilio un trabajo espléndido, desde el apocamiento inicial hasta la brillantez con la que encarna a los diversos personajes. En este sentido, la actuación tiene un cierto toque de complicidad que permite el virtuosismo, aunque el gran actor huye de cualquier exhibicionismo, para componer sus papeles con rigor, con esa limpieza austera que le caracteriza. Es también muy brillante el trabajo de Jorge de Juan, otro excelente actor que utiliza muy bien un histrionismo necesario en sus personajes, y que crea los momentos más supuestamente terroríficos del espectáculo.

Aparte de los dos primeros actores, de enorme capacidad, estamos ante un teatro de contenido menor, muy bien construido; un teatro para la evasión, para el entretenimiento; con la rara virtud de ser diferente, por su género, y de ofrecer una digna puesta en escena, algo que suele reservarse únicamente para obras de más envergadura. Un espacio escénico sugerente, con las adecuadas dosis de sorpresa, completa esa sensación de espectáculo cuidado y honesto.

Enrique Centeno

La naranja mecánica **

2012-01-11T10:39:00.000-08:00

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Autor: Anthony Burguess.

Traducción: Eduardo Fuentes.

Intérpretes: Israel Frías, Pilar Bayona, Miguel Floronda,

Alberto Berzal, Pepe González, Carlos Martínez, Elisa Martínez-Sierra.

Escenografía: E. Fuentes, Garajalde y Sánchez.

Vestuario: Pedro Moreno.

Dirección: Eduardo Fuentes.

Teatro: Nuevovo Apolo. (25.4.2000)

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Un espectáculo del pasado

Causó una verdadera conmoción la versión cinematográfica de esta novela, dirigida por Stanley Kubrick. Hace casi treinta años que se nos mostraba en ella una escondida pero naciente violencia muy peculiar: la ejercida indiscriminadamente por jóvenes pandilleros desarraigados, un embrión de tribu urbana enloquecido. También se denunciaba en ella la psiquiatría conductista para anular la mente y rectificar conductas. Fue innovador, insistimos, hace treinta años.

Ocurre que aquella conmoción –cuya violencia trajo problemas de censura, que en España se tradujeron en su prohibición durante largo tiempo- se produce hoy cada día, y que la realidad ha superado de manera espantosa a la ficción o a la anticipación. Nuevas y numerosas bandas violan y asesinan; no importa si a machetazos junto un estadio o a patadas en una ciudad olímpica. El valor de Burguess, su autor, o la del cineasta que la llevó a la pantalla, debería hoy ser convertido para testimoniar la realidad de nuestros días, que es una de las funciones esenciales del teatro. Lo sabe bien el director de este montaje de La naranja mecánica, Eduardo Fuentes, como ha demostrado a lo largo de una brillante y comprometida trayectoria (él fue, por ejemplo, quien denunció sobre un escenario la siniestra figura de un conocido concejal fascista de la ciudad de Madrid, por citar uno entre sus espléndidos trabajos). Este título es un clásico de la historia del cine, sin duda; pero no lo es socialmente como para ponerlo en pie hoy sobre las tablas, y, cuando se contempla, ni asombra, ni sorprende, ni emociona, quizá porque en la memoria del espectador hay sucesos próximos e inmediatos mucho más dignos de ser tratados.

Por contraste, el lenguaje verbal elegido, que ha hecho también Fuentes, pertenece, al parecer, a la auténtica jerga de los delincuentes, calcando la intención del original, con un vocabulario del que, durante la mayor parte de la obra, apenas entendemos las conjunciones y preposiciones Tamaño alarde otorga a la historia más falsedad, porque no hablan así nuestros cabezas rapadas –sería su equivalente- y, además, cansa e irrita.

Queda la interpretación: exceptuando a los dos “actores invitados” –así figuran-, Pilar Bayona y Miguel Foronda, el grupo de jóvenes compone un coro de voces ineducadas, de torpe ortofonía, de malsonantes timbres. Hacen un trabajo de muchísimo esfuerzo, de incansable composición coreográfica con esa disciplina de escuela donde, sin embargo, el talento brilla por su ausencia en interpretaciones estereotipadas. El resultado es un espectáculo viejo, antiguo, estética y conceptualmente reaccionario en su huida hacia atrás sobre un tema muy sugerente y que, en algunas ocasiones, ha sido llevado a escena con mucho más brío.

Enrique Centeno

La ruleta rusa **

2012-01-11T10:33:00.000-08:00

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Autor: Antón Chéjov

Dramaturgia de Enric Benavent.

Intérpretes: Josep M. Casany, Rafa Contreras, Yolanda

Muñoz, Ximo Solano, Marina Vuiñals.

Vestuario: Enric García, Raquel Delicado.

Escenografía: Víctor Ballester, Chisqy.

Dirección: Joan Peris.

Teatro: Círculo de Bellas Artes. (4.10.1999)

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Es buen marco el Círculo de Bellas Artes para sacar a nuestro teatro de la UVI en la que se encuentra. Esta Muestra de Teatro de las Autonomías Villa de Madrid, que ha dirigido con muy buen criterio José Manuel Garrido, llega a su fin con La ruleta rusa y con Los hermanos Pirracas en Nemequipetá, función ésta que no comentaremos porque fue ya vista –en una sala alternativa, como muchos de los mejores espectáculos- hace ya un año y de la que dimos cuenta.

Este montaje lo trae la compañía Micalet, una tradicional y señera sala valenciana, asociación cultural que en tiempos difíciles supo acoger a lo mejor del Teatro Independiente, en duras funciones que apostaban por una programación de riesgo. Parece que intentan formar una compañía estable: hace algún tiempo nos visitaron con Bailando bailando y ahora con esta compilación de textos de Chéjov. Ni uno ni otro espectáculo guardan relación con aquellas apuestas de una sala que figura en la memoria del revulsivo, la búsqueda e incluso la subversión directa desde el escenario.

La ruleta rusa no es exactamente eso que entendemos por “un Chéjov”, sino un hábil engarce de algunos relatos en los que el autor ruso hacía alarde de su humor, de su capacidad satírica, de su crítica mordaz. Un total de siete títulos, todos ellos deliciosos –más brillantes los que fueron escritos directamente para el teatro-, como el caso de la joya titulada El oso- sin un tema común pero que, sin embargo, descubren algunos de los temas constantes del Chéjov cuentista. Son, por ejemplo, la indefensión del pequeño hombrecito ante las estructuras del poder, o la hipocresía social. Pero en las piezas aquí elegidas, sorprende el tema de la mujer, a quienes se trata desde una especie de misoginia encantadora haciéndolas aparecer, en los diferentes relatos, como liantas, dominantes , pérfidas, fingidoras (La institutriz), como seductoras a ultranza ( La fama), hipócrita y tramposa buscadora de hombres, o directamente prostituidas y agresivas (El trato, La criatura indefensa). Probablemente, todo aparece algo distorsionado por la pluma de Chéjov, pero a la compañía valenciana le encanta recrearlo.

Se lo pasan bien haciéndolo, y el público disfruta con un teatro de cierto aroma antiguo, no sólo por Chéjov, sino por su estética, sus formas, su fin último, que tiene una pátina de reliquia. Lo hacen muy bien los actores, algunos de forma sobresaliente –imposible citarlos, porque no se facilita el reparto, sino únicamente sus nombres en orden alfabético- y dirige, Joan Peris –él sí está diferenciado, ostentosamente-, con habilidad; la misma que ha mostrado Enric Benavent para coser los textos.

No importa que los espectáculos de esta Muestra –diez en total- hayan sido desiguales, porque, en conjunto, han dejado ver una especie de “otro teatro” que la ciudad precisa, y en ese sentido lo despedimos de forma entrañable, esperándolos de nuevo.

Enrique Centeno

La tienda de los horrores ***

2012-01-11T10:31:00.000-08:00

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Autores: A. Menken y H. Ashman.
Adaptación de Mateu y Conde.
Intérpretes: Aurora Frías, Ángel Llácer, Miquel Ángel Mateo,
Joan Carreras, Yolanda Garzón, María Blanco,Lu Carlevaro,
Carlos Lázaro.
Vestuario: Ángel Camarata.
Escenografía: Trapos y trastos
Dirección musical: Manu Guix.
Dirección: Víctor Conde.
Teatro: Avenida. (10.1.2000)

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Una planta tierna y voraz

Tiene ya casi cuatro décadas y forma parte del repertorio habitual de los musicales, con tanto éxito, que fue incluso llevada al cine, donde repitió aplausos. Ahora no ha sido “traída” a Madrid, sino que se estrena como una producción propia de Enrique Cornejo. Desde el recuperado teatro Avenida, competirá, en la Gran Vía madrileña –esa cuyos formidables cartelones de cine y teatro quiere suprimir el Alcalde ignorando que son patrimonio de la ciudad, mucho más que la hortera estatua de La violetera que ha hecho plantar al inicio de la calle-, competirá, con un monstruo vecino, La bella y la Bestia; este sí, importado.

Una pequeña planta, en su triste tienda, se manifieste carnívora, y comience a crecer, y crecer, en su insaciable voracidad que le permite al libretista, Menken, un doble juego que va más allá de la pura comicidad de las situaciones. Porque ésta resulta ser no sólo simpática, sino justiciera –se zampa al indeseable dueño-, hasta llegar a un holocausto, con un drama final que, eso sí, se muestra sin renunciar al humor. Hay, por otra parte, una historia de amor, que se resuelve -como el espectador desea- con los cánones del género: un antihéroe –Seymour, estupendamente hecho y cantado por Ángel Llázer-, y una seductora muchacha –es la magnífica Aurora Frías, atractiva, llena de gracia, de excelente voz-, maltratada por el galán apuesto y cuyo final se adivina y se espera.

No tiene este musical la apabullante producción en el reparto, escenografías, luces, sonidos y demás elementos. Es poco más que un musical de bolsillo, pero posee gracia, está muy bien dirigido, estupendamente cantado –rock clásico, con canciones vertidas al castellano con habilidad-, y todo él rezuma una especial frescura, una forma de hacer que contrasta con la grandeza del monstruos y de la bella; se agradece, porque además se trata de un espectáculo con una taquilla más accesible para el público.

Enrique Centeno

La última aventura **

2012-01-11T10:29:00.000-08:00

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Autora: Ana Diosdado.

Intérpretes: Luis Merlo, Natalia Millán, Alberto Delgado,

Daniel Diosdado, Alfredo Casas, Alfredo Alba.

Escenografía: José Luis Raymond.

Vestuario: Lola Barrera.

Dirección: Ana Disdado.

Teatro: Príncipe Gran Vía. (8.9.1999)

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Un triángulo singuar

Es curioso este triángulo que idea Ana Diosdado: un matrimonio cuyo amigo común es el primer marido de ella. Son jóvenes, desenfadados, personajes de una comedia aparentemente amable en sus comienzos. Pero la chispa de sus diálogos no impide a la autora, como es habitual en ella, pasar, aunque sea de refilón, por los temas a los que suele mirar de reojo, como la intolerancia, la comprensión, el racismo o la esperanza vital que nunca debe perderse, que es lo que inspira el título de La última aventura, siempre pendiente.

Ana Diosdado

Si en los diálogos entra y sale catando infinidad de temas, no es menor la variedad de invenciones dramáticas: el marido paralítico por una agresión juvenil, una mafiosa organización árabe que lo atrapa a través de internet, asesinatos, explosiones que cuestan la vida, secuestro del marido (Alberto Delgado) y reencuentro amoroso de la esposa (Natalia Millán) con el primer marido (Luis Merlo), entre otras. Casi todo sucede fuera del escenario, es decir, se cuenta: no muy bien, porque todo se amontona, se confunde, se explica precipitadamente y no resulta fácil atar todos los cabos de una trama a todas luces innecesaria.

Resulta más brillante, más sustancioso lo que en la propia escena se desarrolla de verdad, incluso aunque la escenografía tampoco permita saber qué clase de local, mitad bar y mitad librería, es el que cobija las relaciones de los tres personajes principales. Que lo hacen muy bien, por cierto. Luis Merlo, con un agudo sentido del humor, y Alberto Delgado, que crea un personaje difícil pero creíble; el buen hacer de Natalia Millán mejoraría si atemperara sus gritos y moderara su incansable gesticulación corporal. La propia autora ha dirigido con habilidad, resolviendo mejor lo que ocurre en escena que lo que se cuenta: es lo que le ha sucedido también en la escritura.

Enrique Centeno

Las chicas de Essex **

2012-01-11T10:24:00.000-08:00

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Autora: Rebecca Prichard.
Traducción de Planell y Abásolo.
Intérpretes: Imelda Casanova, Ledicia Sola,
Ruth Salas, Carmen Menager, Eugenia Sanmartín,
Óscar Fernández.
Música: Los Enemigos.
Escenografía: Pedro Morales.
Dirección: Pablo Calvo (Yacer Teatro).
Teatro: Círculo de Bellas Artes. (9.9.1999)
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Los mejores años

Se acaba de levantar el telón de la esperada Muestra de Teatro de las Autonomías Villa de Madrid, que será sin duda el mayor foco de atracción de la escena más viva y arriesgada de estas próximas semanas. Paradójicamente, se hace con el único texto no español de la programación, Las chicas de Essex, primer texto de la joven dramaturga británica Rebecca Prichard (27 años, estrenó este texto en 1994 dentro de un Certamen de Jóvenes Escritores en el Royal Court, de Londres) aunque la versión hecha, aun conservando referencias del original, con conflictos y diálogos que nos son familiares y próximos.

No es mal sitio el pasillo de los servicios de chicas para la charla y la confidencia. Éste que se nos presenta, espectadores.con una estética de cómic que predomina en todo el montaje. Pertenece a un Instituto de enseñanza, y quienes esperan en él son tres jovencísimas alumnas. Como una de las tres cabinas está estropeada, y la otra presenta restos que la hacen inaccesible, hay tiempo para todo. En la larga espera conoceremos el pequeño y sorprendente mundo de estas adolescentes: lo que piensan de sus clases en el aula, y el mundo ajeno que en realidad viven o quieren vivir. El amor, el sexo, la amistad o los celos, las inquietudes vitales que la autora retrata muy bien y que las tres jóvenes actrices interpretan con pasmosa credibilidad. Lo hacen todo mientras juegan, saltan, bailan –la música de Los Enemigos subraya sus gustos- y permite una coreografía simpática, de estética de parchís, de movimientos y vestuario tirando a pijas-, aunque bajo la aparente frivolidad se ofrece un retrato nada lejano de lo que podríamos ver en cualquiera de nuestros centros de enseñanza. En este sentido, y también en el de su plástica, se trata de un teatro que, sin duda, conectará bien con los nuevos espectadores.

Rebecca Richard

Y de pronto todo se acaba. La segunda parte de la función rompe la magia optimista de aquellos años, de aquella edad. Hay un bebé que llora y amarga los días, un marido –aquel chico simpático del Instituto- al que ha habido que echar de casa Una existencia, en fin, muy distinta a lo que esa mujer, y su amiga que la visita, esperaban. Se cuentan sus problemas, sus dificultades cotidianas tan lejos de aquellos años que se nos mostraron en la primera parte. Lo que sucede es que el salto o el desengaño que retrata la autora, es ahora un testimonio de efectos, sin que ella misma termine de explicar las causas. Esa carencia se extiende en el desenlace, una escena muy bien hecha en la que, ante una proyección del océano, todos los personajes se reúnen en una especie de huida hacia la libertad o la felicidad que el mundo real no les ofrece.

Es posible que la compañía Yacer Teatro sepa bien lo que pretende con este montaje, o que lo sepa Rebecca Prichard. Otra cosa es que lo transmitan, o que lo logren contar. Porque lo cierto es que el espectador contempla un producto de excelente caligrafía, una fresca interpretación, una impecable puesta en escena, sin que al final entiendan muy bien qué es lo que se nos quiere contar. Los mejores años son, sin duda, aquellos del Instituto, pero falta explicar el porqué.

Enrique Centeno

La visita de la vieja dama ***

2012-01-11T10:21:00.000-08:00

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Autor: Friedrich Dürrenmatt.
Versión de Juan Mayorga.
Intérpretes: María Jesús Valdés, Juan José Otegui, Héctor Colomé,
Victoria Rodríguez, Raúl Fraire, Rodrigo Poisón, José Luis Santos,
Esperanza Campuzano, Pepe Viyuela, Joaquín Notario, Gabriel
Moreno, José Navar, Dionisio Salamanca, Óscar Mayer, José Mª
Gambín, Lorenzo Area, Juan Prado, Paco Celdrán, Fernando
Gil, Gorgonico Edu, Víctor Navarro, Manuel Aguilar, Fran Fernández,
Ignacio Alonso, Miguel del Ama, Karol S. Wisniewski, Jorde Allende,
Susi Sánchez, Roberto Noguera.
Vestuario: Javier Artiñano.
Escenografía: Llorenç Corbellá.
Iluminación: Albert Faura.
Música: Mariano Marín.
Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente.
Teatro: María Guerrero (Centro Dramático
Nacional). (11.3.2000)
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Cuando el mundo es un burdel

La poderosa y multimillonaria protagonista de esta historia ideada por Friedrich Dürrenmatt (se estrenó en 1958), Claire lleva como mayordomo a un antiguo juez al que ha liberado para tenerlo a su servicio: es el primer signo de cómo la justicia se corrompe, se vende y se compra. Llega a su pueblo natal tras muchos años de haber sido expulsada de allí cuando era una joven desdichada, una soltera embarazada y repudiada por todos. Prostituta primero y millonaria después, la acción se desarrollará pasado el tiempo, porque la venganza, ya se sabe, es un plato que se sirve frío.

Y allí están, en el pueblo de Güllen, las fuerzas fácticas: el maestro, el médico, el jefe de policía, el alcalde. Todos ellos abiertos a la vieja dama que llega llena de riqueza para salvar su mediocridad y su pobreza. Ella quiere vengarse del pueblo entero, desde luego. Pero, sobre todo, del hombre que la hizo daño, un respetado y humilde carnicero, cobarde e hipócrita como todos en su juventud. Y desvela sus intenciones apenas llegar al lugar: un millón por su cabeza. El conflicto está servido: “El mundo hizo de mí una puta y yo hago del mundo un burdel”.

La visita de la vieja dama es un clásico del teatro contemporáneo, y lo es, además de por sus valores dramáticos, porque presenta la debilidad del ser humano, el poder del dinero, la hipocresía y la falsa justicia que Dürrenmatt plasmó en otros títulos suyos importantísimos, como Frank V, en una herencia clara de Brecht, mezclada, curiosamente, con los movimientos surrealistas y del absurdo de su época. Es, por tanto, una parábola, una metáfora, una reflexión sobre nuestra propia condición que, en estos días, cree este crítico, cobra una dimensión singular.

María Jesús Valdés

Ni el adaptador, Juan Mayorga, ni el director, Pérez de la Fuente, no parecen confiar demasiado en el clásico autor suizo. El primero ha introducido actualizaciones como tomando por tonto al espectador, con referencias a ordenadores, a grabaciones de TV, a referencias que, presuntamente, actualizan ese conflicto universal. Y Pérez de la Fuente ha optado por el espectáculo grandioso, insultante casi en su superproducción, en sus efectos, en su puesta en escena operística. Los efectos, los coros, los elementos escenográficos, luminotécnicos y de tramoya casi devoran el texto, aunque afortunadamente hay, entre el descomunal reparto, actores capaces de defenderlo dentro de esa aplastante estructura escénica, cuya belleza, por otra parte, es indudable.

Hay momentos en los que el director no enuncia a su talento interno, como esa formidable escena en la que la protagonista, Claire, celebra la ceremonia de su despojamiento, ante vidrieras eclesiásticas, en un desvestimiento impresionante, una celebración en la que vemos su ortopedia, su acabamiento, su intimidad miserable. Lo hace esa magistral actriz que es María Jesús Valdés, en una lección corporal y vocal insólita. Pero en casi todo el espectáculo domina el esperpento, la farsa, la mentira que hace inverosímil o de ciencia ficción, lo que el autor nos cuenta. Posiblemente es ésa la trampa de este apabullante espectáculo. Que cuenta con un elenco formidable, entre el que hay que destacar, además de la propia Valdés, a un Juan José Otegui formidable, el más sincero de los personajes, junto a Héctor Colomé –un alcalde sobrecogedor en su proceso de corrupción- o a Joaquín Notario, el maestro de pueblo idealista que finalmente debe claudicar. Todo el reparto es impecable, dentro de ese aire de falsedad, de trucos, de exageraciones que al texto le sobran, y que hacen que la parábola prácticamente nos resulte ajena en su hipérbole y su inverosimilitud.

Enrique Centeno

Las manzanas del viernes **

2012-01-11T10:19:00.000-08:00

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Autor: Antonio Gala.
Intérpretes: Concha Velasco, Encarna Paso,
Josep Linuesa, Antonio Rosa, Mª Paz Ballesteros,
Cristina Castaño.
Vestuario: Elio Berhanyer.
Escenografía: Alfonso Barajas.
Dirección: Francisco Marsó.
Teatro: Fígaro. (9.3.2000)
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Drama con mujer rica

El envoltorio de esta comedia, o drama, es el verbo de Antonio Gala, sobradamente conocido como para buscar ahora calificativo alguno. El contenido, una historia de amor, de abandono y de muerte. El autor sublima a los personajes, especialmente a la dama madura –Concha Velasco- para la que está escrita la función, y a la fiel criada –Encarna Paso-, pero por mucho que los revista de ingenio y de literatura, habrá espectadores que no coincidan con su mirada. Una naviera multimillonaria, estafadora y sin escrúpulos; un apuesto joven, parásito e inútil, como amante; una servidora que ejerce de muro de las lamentaciones; una jovencita tan atractiva como idiota: es el mundo decadente perteneciente a una sociedad que causa más desprecio que comprensión, más ira que compasión. Resulta difícil solidarizarse ni con el amor ni con el abandono que experimenta la gran dama, y ese canto reaccionario que es el texto.

Lo ha dirigido Francisco Marsó con corrección, y hay una estimable interpretación, especialmente en la relación ama-criada que hacen las dos protagonistas. Para muchos será suficiente; otros se entusiasmarán con el mismo regocijo con el que se lee una revista del corazón, aunque todo aquí sea ficción y el redactor jefe un artífice singular. En ese sentido, es seguro que la función será un éxito de taquilla.

Enrique Centeno

Los amantes ***

2012-01-11T10:16:00.000-08:00

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Autor: Carlo Goldoni.
Versión de Juan Carlos Plaza.
Intérpretes: Aurora Sánchez, María Álvarez, Magdalena
Barbero, Víctor Manuel Dogar, Emilio Laguna, Aitor Tejada,
Blaki, Víctor Villate, Enrique Simón, Mapi Sagaseta.
Escenografía: Andrea D’Odorico
Vestuario y dirección: Miguel Narros.
Teatro: Albéniz. (30.9.1999)

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El buen gusto como fin

Viene este año la temporada cuajada de excelentes productos y también -hay que decirlo-, de un teatro caracterizado por la búsqueda de la evasión, en la mayor parte de los casos. Si todavía es válida la idea de que el teatro es reflejo de la sociedad en la que se desarrolla, supongo que nuestra escena está obedeciendo a tiempos de desinterés, de seguidismo, de incredulidad ante todo, y de la disimulada desesperanza; y que de todo ello van contaminándose muchos de nuestros creadores.

Este es uno de esos estupendos enredos de Goldoni en los que el autor italiano supo muy bien burlarse y retratar la sociedad veneciana del XVIII, que es, verdaderamente, lo que le correspondía hacer entonces: convertir su obra en el espejo al que nos referíamos. La hipocresía de una burguesía decadente, los prejuicios y las formas externas que impedían aflorar la sinceridad en las personas. La comedia de costumbres, en suma, que él dibuja con mucha gracia, iniciando un modelo de farsa que hereda de la Comedia del Arte, cuyos personajes –Pantalón, Colombina, Arlequín- metamorfosea en tipos cotidianos del momento.

Lo que hoy queda para el espectador o el lector, además de su ingeniosa prosa, es la rotundidad del juego o del enredo, y los temas, que como en el caso del amor y los celos –éste de Los enamorados- mantienen la misma vigencia, aunque en formas distintas. También queda el lícito pretexto para, partiendo de una excelente escritura, lucir vestuarios, escenografía, estilos de interpretación diferentes. Lo que en cierto momento se llamó teatro del arte.

Este espectáculo es, en el sentido señalado, un verdadero paradigma. A lo largo de sus tres horas, Miguel Narros se sirve de Goldoni para hacer una exhibición de buen gusto, para encandilarnos con la hermosísima escenografía de Andrea Dódorico –una postal veneciana, un rincón neoclásico cálido que es, en sí mismo, todo un lienzo con volúmenes-, para dirigir toda la trama como impecable mecanismo, y también, como es habitual en él, obtener lo mejor de sus actores: una suma de elementos que producen eso que llamamos deleite para los sentidos.

Fotos de Miguel Gordé

De todos modos, el elemento diferenciador del teatro –respecto de la música, de los colores, del vestuario, de la cadencia lograda- son los actores, y en este caso hay una deliciosa, formidable y gozosa interpretación que casi justifica la tentación de esta puesta en escena. Ver moverse y hablar a Aurora Sánchez produce un raro placer, por ejemplo, con esa maestría de formas, de pausas, de matices de voz (tiene el gran teatro Albéniz el sambenito de la mala acústica, y con él se justifican muchos actores y hasta imponen los odiados micrófonos algunas compañías: aquí se acabó). Con ello hacen todos un trabajo en la misma línea de expresividad corporal, de comprensión de personajes, de riqueza del juego, desde el tonto galán –Enrique Simón- al gracioso arlequín Blaki, con los excelentes trabajos de María Álvarez o de Magdalena Barbero. Y una mención aparte obligada para Emilio Laguna, actor cuya propensión al dislocación cómico ha sido aquí contenida y aprovechada para, sin evitar el lucimiento de su fuerte personalidad, construir un personaje formidable, ese cuya presencia engrandece las escenas y que, cuando no está en ellas, se le espera sabiendo que dará el tono y el ritmo de la farsa mejor que nadie. Su personaje de Fabricio, una especie de burgués mariquita, tierno y arruinado, posee el exceso del viejo Pantalón y la ternura de los nuevos tiempos de Goldoni. A todos se les aplaudió mucho, y merecidamente, la noche del estreno de un montaje perfeccionista, manierista casi, como si el tiempo no existiera para estos creadores.

Enrique Centeno

Los enfernos **

2012-01-11T10:14:00.000-08:00

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Autor: Antonio Álamo.
Intérpretes: Chema Adeva, Amaia Lizarralde,
Antonio Canal, Roberto Quintana,
Chema de Miguel, Mingo Rafols, Gonzalo Cunill.
Vestuario: MercJosé Miguel Josè Paloma.
Escenografía: José Manuel Castanheira.
Dirección: Rosario Ruiz.
Teatro: La Abadía. (13.11.1999)
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No eran simples locos

Es posible que pueda hacerse este diagnóstico de Los enfermos a las figuras políticas de la última guerra y de aquello que se llamó “La guerra fría”. Lo imagina así el autor Antonio Álamo, pensando que la Historia se cuece en gabinetes de frenopático entre enloquecedoras conversaciones y pactos. De una parte, Hitler y Eva Braun suicidándose en el búnker tras la derrota y mostrando sus personalidades esquizoides y estúpidas. Después un payaso, Stalin, cuya obsesión parece, únicamente, dedicada hacia el poder; se entrevista con Churchill para mostrar dos especies de semiseres tontos, ambiciosos y sin nada que decir acerca de la situación de Europa.

Lo que importa es ver los calzoncillos de toda esta gente, que les asoman bajo los abrigos y sus capotes plagados de condecoraciones. Una uniformidad que contamina a este montaje de un modo peligroso. Parece que es igual la ambición y la tiranía del Hitler exterminador al servicio de una pretendida pureza racial y económica, que la de Stalin imponiendo una dictadura con el sueño de lograr la igualdad social y el ascenso del proletariado al poder; o la de Churchill, intentando un mundo liberal, una democracia imposible, pero no declaradamente dictatorial. Antonio Álamo, pero sobre todo esta puesta en escena, los convierte a todos en auténticos imbéciles más que en enfermos. Y este reduccionismo casi irrita, porque no se puede explicar la Historia a base de payasos que se mueven y actúan como extraños autómatas alucinados en extraños espacios. No está muy claro si es eso lo que pretende el texto.

Álamo plantea una tragedia de corte shakesperiano: la ambición del poder, la posibilidad de construir la Historia desde la individualidad; aunque desde luego está a años luz de cualquier Rey Lear. Y la directora, por su parte, monta el material escrito en una clave de farsa plana y esquemática que en nada ayuda a las carencias del texto. Naturalmente que todos somos enfermos, de una u otra manera: no idiotas, no iguales, no alineados. Liquidar la personalidad de Hitler, de Stalin, de Kruschov o de Bulganin, como una panda de tontos que se revuelcan, deliran o poseen una suprema ignorancia política, es, al fin y a la postre, una postura reaccionaria, una carencia del verdadero análisis que esta función elude de un modo asombroso. Convertir los grandes hitos de la Historia en una farsa estúpida, accidental y personal, produce una honda decepción.

Ya hemos dicho que no queda claro si el texto original acentúa tanto los terribles aspectos señalados. La directora, Rosario Ruiz, parece más bien haber hecho un ejercicio de lucimiento, junto con el aparatoso espacio escénico, creado muy bien por José Manuel Castanheira, y una interpretación a la que se ha impreso un estilo ecléctico cuya artificiosidad hace que los intérpretes naveguen entre la construcción de sus personajes y los muchos tics y juegos farsescos que les han impuesto. Claro que todos somos enfermos, pero el término clínico no puede servir de coartada para el análisis de una época, y de unos personajes mucho más profundos que este juego de locos. Nuestras actuales dictaduras, los terribles liberalismos, el ascenso de la ultraderecha o el racismo de nuestros días, no caben en un diagnóstico médico, sino en un análisis político y social. Lo demás son juegos de arte, evasiones para espectadores complacientes.

Enrique Centeno

Los intereses creados •

2012-01-11T10:12:00.000-08:00

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Autor: Jacinto Benavente.
Intérpretes: Pepe Rubio, Daniel
Martín, César Sánchez, Marco Saúco, Carlos Torrente,
Julia Martínez, Luz Nicolás, Virginia Soto, Antonia Paso,
Vicente Gisbert, Mari Begoña, Abigail Tomey, Manuel Pereiro,
José Segura, Kico Ortega, Jorge Riquelme.
Ambientación y vestuario: José Lucas.
Dirección: José Tamayo.
Teatro: Bellas Artes.(3.11.99)
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La vieja farsa

Ni siquiera Benavente, ese engañabobos de la literatura dramática de nuestro siglo, merece que se le devalúe de este modo. El premio Nobel, editado y estudiado por insignes eruditos –Lázaro Carreter, el mismísimo Buero Vallejo-, fue experto en autopromoción y supo, con su talento de chascarrillo banal, obtener el éxito que previamente se preparaba en los salones y las tertulias. Todo lo cual no significa que su pastiche de Los intereses creados o su melodramático Señora Ama, por citar sus más representativas obras, no encierren unas cualidades de escritura y de construcción que son un prodigio de habilidad. Por eso no nos parece que el ilustre madrileño merezca esta cosa horripilante que se acaba de estrenar en el teatro Bellas Ates.

De José Tamayo y de su larguísima y fecunda trayectoria, como director y productor, se pueden esperar muchas cosas, y se sabe que una de sus características es la lectura a veces epidérmica y otras apasionado de los grandes autores; sus montajes de autores gigantes -como Valle-Inclán, Brecht o Arthur Miller, entre otros con los que se atrevió cuando nadie lo hacía- son esperados por ello con mucho interés, ya que, por encima de sus peculiares visiones, es hombre de enorme sabiduría teatral, de firme dirección escénica, de probado talento en la conducción de los espectáculos independientemente de la visión que de ellos tenga. Es lícito que arroje su propia mirada sobre los diversos textos, sobre todo porque a él se deben importantes descubrimientos para el gran público. Lo cual se señala en esta nota crítica porque, a la vista de este montaje de la obra de Benavente, no hay provocación posible sobre la obra, sus valores, su pretendida actualidad o la que pudo tener en su momento, como sí sucedió hace siete años cuando, protagonizada por José Sazatornil, con dirección de Pérez Puig, se presentó en el teatro Español, y que excitó al análisis a este crítico en estas páginas (31.1.92).
Porque lo cierto es que este espectáculo es un dislate sin paliativos, una ofensa a la escena, una indignidad para Tamayo, una vergüenza para Benavente, un retroceso en nuestra vida teatral, necesitada de esfuerzos –los que Tamayo ha hecho tantas veces- y no de mediocridades que rayan en la estafa. Lo que en el teatro Bellas Artes se ofrece es una función de aficionados sin entusiasmo, un espectáculo plano con actores mediocres que en ocasiones ofenden, comenzando por el propio protagonista, ese mítico personaje de Crispín que encarna de un modo lamentable, penoso y triste el actor Pepe Rubio. Tras el cual desfilan una galería de mediocridades imposibles de reclutar a no ser que se haga de un modo premeditado para devaluar más aún a Benavente (y que disculpe alguna excepción, como Julia Martínez o Vicente Gisbert, que intentan salirse del rebaño de inútiles). La llamada ambientación son unas cortinillas de salón de actos, la vestimenta es de guardarropía, y todo el espectáculo es nocivamente decadente, a veces hasta ofensivo. Se remonta levemente hasta rozar lo discreto al final –el cuadro del juicio, esa trampa reaccionaria que el autor urdió-, pero en conjunto la cosa alcanza apenas la calidad de los certámenes teatrales de colegios que nuestros escolares hacen en sus institutos. Vimos a José Tamayo saludar la noche del estreno, de manera que, aunque parezca increíble, aunque se piense que es una broma, parece ser que sí, que es él quien ha dirigido esta pobre función.

Enrique Centeno

Los malditos **

2012-01-11T10:04:00.000-08:00

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Autor: Raúl Hernández.
Intérpretes: Paco Obregón, Fernando Romo,
Juan Matute, Isaac Cuende, Sardo Irisarri,
Ángel Sardá, Lidia Palanzuelos.
Escenogtrafía y vestuario: Elisa Sanz.
Dirección: Guillermo Heras.
Teatro: Cuarta Pared. (25.11.99)
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Guerrilleros de cualquier parte

Estos malditos son más bien los maldecidos de la Historia: guerrilleros que buscan su libertad, en un paisaje que podría ser lo mismo el de Colombia, el de Nicaragua o el de Yugoslavia. La senda es la selva, muy bien estilizada por la escenógrafa Elisa Sanz, con evocaciones a ciertas estéticas de Antonio Saura. Y se ilumina muy bien el espacio, en un ejercicio formidable de Miguel Ángel Camacho. En ese ámbito mueve muy bien a los actores el director, Guillermo Heras, que consigue también crear ambientes que invocan historias ya vistas –anda por ahí una influencia de Apocalipsys now- y una sensibilidad especial para reproducir el ambiente del desastre. El autor, por su parte, bebe de Shakespeare, del que incluso llega a hacer alguna paráfrasis de conocidos parlamentos del autor inglés.

Lo que la función transmite es esa desolación de la falta de metas, de la guerrilla inútil, de la imposibilidad. Suponiendo que la hayamos entendido, porque los aspectos formales son mucho más potentes que el interior mismo del texto, que Raúl Hernández Garrido sirve de forma confusa o equívoca . Es una función que se sigue mal, en la que la trama no se descifra suficientemente y que navega entre el episodio de hazañas bélicas y la reflexión sobre la ausencia del líder, del “comandante” –alusión al Ché-, o de un claro ideológico. También la iconografía externa supera a la interpretación convencional, estereotipada y trucada en recursos aprendidos.

Enrique Centeno

Los misterios de la ópera ***

2012-01-11T09:57:00.000-08:00

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Autor: Javier Tomeo.
Versión: Casles Alfaro.
Intérpretes: Jeannine Mestre, Manuel Carlos
Lillo, Emilio Gavira.
Vestuario: Sonia Grande.
Dirección: Carles Alfaro.
Teatro: La Abadía. (4.4.2000)
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En las catacumbas de un teatro

Uno puede encontrarse,l en cualquier lugar, a un interrogador aposentado en su estrado; y puede que sea miope, asimétrico, zurdo y reprimido. Puede incluso estar auxiliado por un ujier enano, inquietante, aficionado a hacer punto con sus agujas, mientras ironiza sobre la víctima. No importa quién sea ésta, aunque aquí Javier Tomeo haya ideado un extraño personaje para tropezarse con esta situación surrealista. Se trata de Brígida, una mujer con un estrafalario disfraz de la Brunilda de El crepúsculo de los dioses, de Wagner, y que se encuentra perdida en los subterráneos del teatro de la ópera, donde debería actuar.

Ya se comprenderá que el trío de personajes conforman un mundo kafkiano, donde todo es incomprensible, y cuya pesadilla –la que padece esta mujer estrambótica- recuerda no poco a El proceso del autor alemán. El interrogador –tal vez un juez, un vigilante, un simple impedimento-, se encuentra allí, precisamente, para descubrir, según afirma, algo tan imposible como averiguar por qué se pierden las cantantes en aquellos subterráneos. Y la mujer no puede llegar al escenario donde se la espera para poder lograr el sueño de su vida como soprano. Toda esta trama también tiene mucho que ver con el teatro del absurdo, pero su estética recuerda más al expresionismo de Orson Welles que al desconcierto de Ionesco.

Con su probado talento, del director Carles Alfaro ha sabido, una vez más, construir una estética inquietante para intentar convertir un mero diálogo en una trama teatral. Porque el texto original es una narración, que es lo que de verdad sabe hacer el autor, Javier Tomeo. Una narración, ciertamente, basada sobre todo en el diálogo que desnuda y retrata a sus personajes, y esa es la razón por la que su obra ha sido varias veces tentación para el teatro, como ocurrió con Diálogo en re mayor o El cazador de leones, brillantemente llevadas a la escena. Fuera de los diálogos, debe aportar el dramaturgista de turno, todo lo demás, porque Tomeo no ha escrito para teatro. Ni siquiera es demasiado aficionado a él, según nos confesaba minutos antes de este estreno, aunque sus adaptaciones para la escena le preocupan, interesan e inquietan. Lo que no impide señalar que, sobre todo en este caso, la procedencia no dramática del texto se delata a lo largo de la representación.

Emilio Gavira

Se trata de una puesta en escena del mayor rigor, donde ante una hermosísima escenografía –gasas pintadas de fondo, que se iluminan con impresiones de diogramas- hacen un ejercicio formidable los tres intérpretes. Ella es Jeannine Mestre, un prodigio de dislocación esperpéntica en la que la locura, la ternura y la acidez, se entremezclan construyendo un personaje dificilísimo, bajo su disfraz de guardarropía y su tocado de casco con cuernos. La voz y la inteligencia de Manuel Carlos Lillo saben componer a ese l Interrogador, contradictorio y absurdo. En tanto que Emilio Gavira, da una vez más muestra de sus muchos registros y de un peculiar talento que aprovecha ese peculiar físico para fundirlo con su personaje.

Carles Alfaro ha convertido muy bien el material servido por su autor, que no pensaba en la representación: se nota, insistimos, ese importante hecho, pero se disfruta por la caligrafía perfecta del texto y por la de todos cuantos han puesto en pie este impecable espectáculo.

Enrique Centeno

Los vivos y los muertos *

2012-01-11T09:55:00.000-08:00

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Autor: Ignacio García May.
Intérpretes: Walter Vidarte, José Tomé, Ginés García
Millán, Jesús Fuente, Enric Majó, Roberto Mori.
Escenografía y vestuario: José Hernández.
Dirección: Eduardo Vasco.
Teatro: Infanta Isabel.
(Centro Dramático Nacional). (27.4.2000)
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Periodistas en la guerra

Cerrada la “capilla sixtina” oficial de nuestros autores nuevos y arriesgados, es decir, el teatro Olimpia –por obras, que ya veremos si serán eternas- ha debido considerar el director del Centro Dramático Nacional, Pérez de la Fuente, que no era de recibo utilizar los fondos públicos, para el teatro únicamente en autores consagrados, saliendo de la principal sede del María Guerrero. Y se ha procedido al alquiler de la sala de la calle Barquillo, el Infanta Isabel, para dar alguna salida a esos textos que un comité de lectura ha seleccionado para su representación. El gesto es, en sí mismo, plausible, independientemente del resultado que cada montaje pueda obtener, y desde luego de forma eventual hasta que se recupere el Olimpia.

Es hermosa la escenografía de José Hernández para Los vivos y los muertos: una reproducción arquitectónica de la cámara de un antiguo templo en tierras africanas asoladas por la guerra. Allí, un grupo heterogéneo de blancos –periodistas corresponsales de guerra, casi todos- muestran sus conflictos, su oportunismo o su hipocresía ante los hechos, con alguna mística y tópica salvedad. Sin desdeñar el trabajo de algunos de los actores, ni el del enérgico director, Eduardo Vasco, lo cierto es que es ese monumento estético permite al espectador liberarse de un texto cuya estructura dramática es inexistente; pesado, aburrido, plagado de tópicos hasta lograr casi una antología de lugares comunes, con la discutible coartada de los pobrecitos etíopes que andan, fuera del espacio escénico, matándose. Y buscando desesperadamente situaciones límite entre unos personajes que, sin embargo, cansan hasta el agotamiento.

Ya queda dicho que la obra ha sido elegida por un comité de lectura, cuyos tres miembros son conocidos dramaturgos de muy diversa tendencia. Ignora el crítico si hubo unanimidad, si se seleccionó sólo este texto o varios más; si se consideran aspectos no estrictamente dramáticos, y hasta pudiera pensarse que, en efecto, era el mejor de cuantos pasan por el Centro Dramático Nacional para su valoración; en cuyo caso, habría que hacer una seria reflexión sobre nuestro nuevo teatro. Pero no: el día antes del estreno de Los vivos y los muertos habíamos asistido a la reposición, tras una larga gira, de Las manos en la sala Cuarta Pared, función que alcanzará pronto las 300 representaciones, y que muestra una dramaturgia sincera, culturalmente atada a nosotros, sabia en su construcción, atrayente en su tema, fascinante y entrañable hasta conmover desde la reflexión. Un contraste, hablando de los nuevos autores, que asaltaba forzosamente al crítico por su proximidad, y que producía, aún más, esa valoración negativa de este estreno inexplicable.

Enrique Centeno

Madrid-Sarajevo **

2012-01-11T09:51:00.000-08:00

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Autor: Marco Antonio de la Parra.

Intérpretes: Marco Antonio de la Parra,

Nieves Olcoz.

Dirección: Domingo Ortega.

Lugar: Casa de América. (10.6.2000)

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Una alegoría

Continúa la Casa de América su ciclo de teatro chileno actual con lecturas dramatizadas y representaciones, como ésta de Madrid-Sarajevo. Su autor, Marco Antonio de la Parra (Santiago de Chile, 1952), a pesar de gozar de amplio reconocimiento tanto al otro lado del Atlántico como entre nosotros, no asoma por nuestros escenarios, fenómeno común al resto de los autores chilenos y de toda la cultura latinoamericana en general, que nuestros empresarios han olvidado para rendir pleitesía al teatro anglosajón, como mandan las reglas de un mercado lastimoso, chato y penoso.

De este autor pudimos ver aquí una de sus obras de más éxito, La secreta obscenidad de cada día, el año pasado en una sala alternativa y hecha por una compañía venezolana: es todo, que sepamos, aunque algún libro teórico y algunos títulos nos lleguen en ediciones minoritarias.

Marco Antonio de la Parra ha querido mirar a Sarajevo: sus miles de víctimas, sus torturas, sus refugiados y su hambre. Lo hace a través de dos personajes sumidos en el forzoso desarraigo que produce la miseria y la desolación, en un paisaje desolado cuyo árbol seco –quizá el mismo de Esperando a Godot- ha adquirido formas que evocan a la horca de un patíbulo. La ocurrencia mayor es la alegoría arriesgada que inventa: suponer que aquellos desastres están ocurriendo en Madrid, y que el paisaje de la guerra es el estadio Barnabéu, la calle de Velázquez o La Castellana y otras referencias concretas.

Da la impresión de que se trata de un recurso cuya finalidad es hacernos más próxima la tragedia de la antigua Yugoslavia, quizá pensando que esa alegoría haga su denuncia más cercana e inmediata. Lo cual nos parece, a nosotros, que es innecesaria como recurso, y además inverosímil. Porque las circunstancias históricas, el pasado de croatas o servios, el nacionalismo secular y sus rivalidades religiosas, no permiten trasladar ese conflicto -ni siquiera en la ficción-, a la ciudad de Madrid. Esta ciudad vivió ya un terrible asedio, una feroz resistencia y una cruel represión saldada también con miles de muertos, pero su historia y sus motivos son en sí mismos suficientes como para no necesitar la fantasía de un calco, ingenuo y artificioso, con lo que ocurre en Sarajevo. En ese sentido, y por paradójico que resulte, el autor realiza una trampa y huyendo superficialmente del verdadero conflicto (en las antípodas, por ejemplo, del autor francés Enzo Cormann, que quiso mirar de frente el conflicto desde un escenario).

Además de la discutible fórmula dramática, el autor hace hablar incesantemente a sus personajes, en parlamentos larguísimos, de un lirismo casi obsceno y una carencia de síntesis que convierte la obra casi en una cantata. Lo cual sorprende, porque este chileno posee conocimientos. Imparte cursos de dramaturgia y ha demostrado su buena capacidad para crear tensiones y diálogos, con un valor teatral muy distinto al que aquí vemos. Lucha él mismo como actor junto a la excelente Nieves Olcoz para defender tanta prosa poética, siempre al límite. Pero la empresa es casi imposible.

Enrique Centeno

Alicia ***

2011-12-29T10:14:00.000-08:00

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Autor: Daniel Pérez.

Basada en la novela de Lewis Carroll.

Intérpretes: Marta Eguía, Niko Verona,

Lorena Roncero, Raúl Chacón, Daniel Guersi,

Socorro Anadón.

Diseño y vestuario: Agatha Ruiz de la Prada.

Dirección: Jaroslaw Bielski.

Teatro: Réplika. (27.12.2011)

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Alicia en Navidad

En cuanto apareció, Alicia fascinó al público con el silencio y sus miradas fijas, echada e intentando leer un gran libro de cuentos sin dibujos. Con su vestido azul y un delantal blanco (así la vistió el autor en sus dibujos) va tendiéndose hasta quedar dormida. Es el inicio de los capítulos que dedicó Carroll a su enamorada Alicia en el País de las Maravillas. Y al empezar su esperado sueño, grita un niño: “¡Es un conejo!”, uno de esos misterios -el primero- que irán contándose en los episodios. Supusimos que los intérpretes se sintieron ya tranquilizados, seguros, al percibir el calor de los niños.

En la obra que se representa, figura como autor Daniel Pérez, con el apellido de “Basado en Alicia en el país de las Maravillas, de Lewis Carroll”. Poca justicia. Para convertirlo en escenas, traslada los textos a una ingeniosa versificación, muy eficaces entre pareados, cuartetos o redondillas que aumentan aún más las ironías, los disparates y las sorpresas. Diálogos a los que se incorporan músicas y bailes deliciosos. Se dirige esta función a niños de entre 4 y 6 años -creemos, pero aconsejo como pretexto también para los mayores-, y se consigue un entusiasmo continuo.

El director de Réplika, Jaroslaw Bielski, no ha utilizado demasiada escenografía: un panel de juego y proyecciones efectivas, algún muñeco –pocos, afortunadamente-. El vestuario se lo ha pedido a Agata Ruiz de la Prada, quien lo ha diseñado con su habitual estilo, y que en esta ocasión parece hecho a medida para Alicia. Más de diez personajes son representados genialmente por los seis intérpretes, tanto en los diálogos como en las canciones, con brillantes coreografías.

Es natural que sea Alicia quien centre todos los acontecimientos. Lo hace la actriz Marta Eguía, que, en cuanto aparece, seduce a los niños, quienes creen ver a una auténtica niña. Y es verdad, porque se transforma en una pequeña adolescente. No se trata de poner vocecitas imitadoras, sino de crear al personaje, que domina igualmente la danza. Bielski ha organizado todas las acciones en ritmos vivos, enlazando episodios. Es uno de los escasos montajes de teatro infantil merecedores del aplauso frente a las multiplicadas torpezas navideñas.

Enrique Centeno

La avería ***

2011-12-26T15:21:00.000-08:00

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Autor: Friedrich Dürrenmatt.
Versión teatral de Fernando Sansegundo.

Intérpretes: Daniel Crau/ Blanca Portillo, Emma Suárez,

Fernando Solo, José Luis García/ Miguel Hermoso,

Asier Etxeandia, José Luis Torrijo.

Vestuario: Elisa Sanz.

Escenografía: Andrea D'Odorico.

Música: Pablo Salinas.

Iluminación: Pedro Yagüe.

Dirección: Blanca Portillo.

Teatro: El Matadero. (20.12.2011)

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Los cerdos del juicio

Esta vetusta casa, oculta en la soledad, se ofrecerá a un viajero y será convertida en una falsa jaula -de paredes-. Un reclamo con cebo para atraer a este Traps, tras la avería de su orgulloso automóvil Stubebaker. Son sus anfitriones el incomprensible propietario y la espumosa mujer como cuidadora de la mansión. Inquieta este encuentro, en el que se opone la simpática felicidad del recién llegado y esa pareja de andares y desconcertantes palabras en su recibimiento subterráneo. A Traps le hace cierta gracia, pero bien se adivina que esa noche algo potente va a ocurrir. Es como una novela de misterio y de crimen. A Friedrich Dürrenmatt le gustó siempre la intriga. Pero en su novela (adaptada al teatro por Fernando Sansegundo), incorporará su ironía y, sobre todo, el compromiso de su teatro político.

Ha creado la escenografía el admirado Andrea D’Odorico, tan conocedor de las construcciones arquitectónicas. Una polvorosa gran librería que cubre el muro, iluminada tenuemente por pequeñas vidrieras amarillentas (lo diseña Pedro Yagüe). Y aquí también llegarán, enseguida, tres esperados e inquietantes personajes: apergaminados individuos, de rostros y trajes en una mezcla de estilo gótico y actual, con una sensación ambiental que nos acerca al Teatro Furioso de Nieva. Imágenes cuyo vestuario ha creado Elisa Sanz.

En una bestial cena montada y bañada entre los vinos, irá calificándose esta piara de cerdos, rodeando los caracoles, el pollo o las verduras y arrastrando sus hocicos por los suelos.

Son escenas de horror carcajeado. Y luego sabremos que se trataba de un Juez –el dueño-, el Fiscal, el letrado Defensor y el preparado Verdugo. En el banquillo colocarán al acusado (Trops, que había conseguido llegar a la dirección de su empresa) del crimen cometido.

Toda la vista del juicio es una cínica borrachera para la condenación, pero Dürrenmatt lo lleva al desprecio de la Ley y de los asesinos: ¿quién puede ser más culpable, cómo distinguir en la putridez la justicia, la culpabilidad y hasta la ejecución? Como en su Proceso por la sombra de un burro. No nos será posible dar así una solución. Se acabó el buen humor entre el cinismo y la Audiencia convertida en una maldad esquizofrénica.

No ha querido Blanca Portillo dirigir este montaje con actores maduros para estos viejos personajes. Ha utilizado a sus intérpretes con complejas caracterizaciones, maquillajes y pelucas, procedimiento -muy de cine -que aumenta el infierno de la obra. Ella misma hace –hombre y viejo- el personaje de Juez; fue casualidad poder verla en una de sus tres representaciones en la que sustituyó a Daniel Grao, logrando un formidable trabajo.

Es todo el reparto –incluyendo a Portillo- un plato de lujosa degustación para el público. José Luis García-Pérez se ocupa de Traps, ese sujeto aparentemente inocente que domina el humor, su incomprensión, y que llega a padecer su condena; es brillante, eficaz y sabio en su desdichada noche de La avería. El fiscal Ronz es cercano al temible Nosferatu, impresionante, que interpreta Asier Etxeandia riquísimo en sus voces, cuerpo vivo entre la muerte. Mademoiselle Simone es volante y fantasma, cuyo aspecto y caracterización casi nos impide reconocer a Emma Suárez, quien crea, por sorpresa, una diosa demonio, jugando entre las tinieblas seductoras y el terror. Interpreta muy bien al cerdo perdedor del Defensor, el estupendo actor Jose Luis Torrijo. Y el Verdugo feliz lo hace formidablemente Fernando Soto. Vaya colección de actores. Portillo lo lleva todo con mucho talento.

Enrique Centeno

Un sueño de una noche de verano *

2011-12-26T15:18:00.000-08:00

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Autor: William Shakespeare.

Adaptación y diercción: Vanessa Martínez.

Intérpretes: Mon Ceballos, Eva Higueras, Pablo Huertos,

Pedro Santos, Gemme Solé.

Escenografía: Miseria y hambre.

Vestuario: Cyril Wicker.

Iluminación: Sergio Torres.

Audiovisual: Néstor L. Arauzo.

Compañía Teatro Defondo.

Teatro: Fernán-Gómez. (22.12.2011)

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Un sueño sin gozar

Se presenta esta función infantil con el título de Un sueño de una noche de verano, de William Shakespeare. Se trata en realidad de una “versión” de la directora Vanessa Martínez, y se anuncia como “Shakespeare para niños”. Lo que se proponen es contar brevemente el argumento, y para ello van también cortando las acciones para explicar lo que va a continuar.

La idea consiste en que, una supuesta compañía de aficionados va a representar la obra de Shakespeare. Y comienzan los cinco miembros la preparación del ensayo, vestidos, humorísticamente, de trabajo con monos de colores y signos de sus profesiones. Buscan hacer reír y se comportan como algo cercano a la tontería de estos buenazos. Reparten los papeles e irán cambiando sus vestuarios tras una gran caja, movible y variable, que ofrece lo más gracioso de la función.

Cada uno de los actores se triplica para transformarse en los diferentes personajes y continuamente aclaran lo que quieren saber y lo que quieren hacer. El complicado enredo de la comedia es ya bastante como para reducir todo el montaje a saltos y cortes a una hora de duración. De modo que es absolutamente imposible desenredar la obra de Shakespeare junto a las farsas. Son graciosos, juguetones, con payasadas algo vacías.

Hay una costumbre tradicional en la que se habla a los niños con voces arrastraditas en ritmos ridículos. Hace ya mucho tiempo que intentan los pedagogos evitar ese perjuicio. Hablan a veces en tonos de dibujos animados, o como si ellos mismos fueran un poco ignorantes. Es el mayor disparate de esta puesta en escena. La respetada compañía Teatro Defondo debe formarse cuando intente trabajar para los niños.
A pesar del buen hacer de los actores, lo cierto es que los pequeños espectadores se quedan en blanco. Una niña junto a mi butaca levantaba la barbilla hacia su padre, y le miraba con el entrecejo: quería preguntar qué estaban contando.

Qué peligroso es hacer teatro infantil. Hay una buena lista de nuestros dramaturgos que facilitarían textos de fantasía o de realismo, que saben abrir los ojos y volver de nuevo al teatro.

Enrique Centeno

Tocar madera **

2011-12-17T12:59:00.000-08:00

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Idea y Dirección: Gustavo del Río.

Dramaturgia: Luis Andrés Gómez.

Intérpretes: Pedro Martín, María Toledo, Nicolás Gaude,

Natalia Narbón, Irene Ballester, Luis Andrés Gómez.

Vestuario: Charo Vicente.

Escenografía: Manuel Enríquez.

Coreografía: Pablo Esbert e Irene Ballester.

Teatro: Cuarta Pared. (14.12.2011)

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Terminar antes de empezar

La idea y la dramaturgia –Gustavo del Río, Luis Andrés Gómez-, muestran sus sensaciones, sus versiones o situaciones sobre la actualidad. Es una especie de imposibilidad, un lamento ante el final del mundo. Son los vencidos antes de empezar a nada. Este es una especie de mundo infinito, de tiempo desconocido y de velocidad ignorada. En sus vídeos –se utilizan en muchos momentos- nos enseñan imágenes de física matemática de líneas espirales que señalan difíciles formas de movimientos; son impresiones que no podemos relacionar, y que nos dejan en lo misterioso. Hablan también del Caos. O del No.

En esta visión, la joven compañía desarrolla la función entre el pesimismo y el anuncio del final fracasado. La escenografía divide las acciones en cuatro espacios. Uno de los actores –todos hacen un estupendo trabajo- dialoga con sí mismo, y lo explica al propio espectador con la sala encendida; en otro lugar, veremos una habitación con abundantes libros apilados, que al curioso personaje no le sirven apenas de nada; en una leve aula de clase, discuten dos alumnas –uniformes de colegio privado- sobre temas que –por nuestra culpa- no hemos terminado de entender, exactamente, qué es lo que provoca tales gritos: son notables las dos actrices; y el cuarto lugar, junto a una cama, muestran sus personajes el permanente pesimismo.

El montaje utiliza varias escenas en forma de danza coral –calidad coreográfica de Pablo Espert e Irene Ballester-, con tensiones y violencia entre músicas, siempre con la desesperación, y cercano al Teatro Danza (estilo que ha ido desapareciendo en sólo unos años).

En el vídeo, de generosa pantalla, lo que más inquieta es un gran ojo cuya pupila observa, pestañea, vigila, tal vez anuncia el final: serán imágenes de la destrucción, con edificios que van derrumbándose. Y, al mismo tiempo, suena –fuerte sonido- la canción operística conocida y estremecedora: “Una furtiva lágrima/ brotó desde sus ojos. Aquellas alegrías de jóvenes/ parecieron ser envidiadas” (Una furtiva lagrima/ negli occhi suoi spuntò. Quelle festose giovani/ invidiar sembrò). Ha querido esta compañía transmitirnos el fin del mundo. No había posibilidad de salir de la decadencia.

Es una buena función, aunque las comunicaciones o diálogos son muy escasos. Y los intérpretes lo hacen brillantemente.

Enrique Centeno

Pato a la naranja **

2011-12-17T10:24:00.000-08:00

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Autores: William Douglas-Home y M. Gilbert Sauvajon.
Versión de Juan José Arteche.
Intérpretes: Isabel Gaudí, Tomás Gayo, Charo Soriano, Arantxa del Sol,
Julio Escalada.
Escenografía: Anselmo Gervolés.
Dirección: T. Gayo, J. Escalada.
Teatro: Real Cinema. (28 7.2000)
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Aquellas comedias de antes

Pato a la naranja ha querido ser situada en nuestros días, en los que sus personajes se suponen de hoy: un lenguaje algo más abierto –no mucho: es una obra para la burguesía-, con términos actuales –no todos: ya no hacen falta los calificados “culpables” para que se conceda el divorcio- y rico diseño de modernidad en decorado y vestuario. Por lo demás, la función sigue siendo la misma. Un clásico de la comedia que, de tanto haber sido imitada, ya se ha vuelto una copia de ella misma. Lo peor -ya queda dicho-, es que no habla de nuestras cosas, de lo que de verdad pasa a nuestro alrededor, sino de lo que podía haber pasado en cierta sociedad británica de hace casi treinta años.

No lo hace mal la compañía. Son todos veteranos jóvenes, unos de las tablas, y alguna del plató, la pasarela o las fotos para la prensa rosa. A mí quien de verdad me gusta es Charo Soriano, claro está: es la actriz segura, de recursos, certera en sus intervenciones (hace de Martirio, la criada); todos los demás están eficaces, con las limitaciones que ya conocemos en cada uno de ellos (Tomás Gayo blandito, Julio Escalada esquemático; mejor Isabel Gaudí; ah: ella, la modelo, la famosilla Arantxa del Sol está bien: queremos decir que sabe estar, hablar, que tiene soltura, porque, de lo demás, no hace falta contar a nadie cómo está).

La percepción no es unívoca, pero nos dio la impresión de estar ante un dudoso éxito, un bombazo de humor en el que se soltaran tantas carcajadas a los intérpretes, a tenor de ciertas pausas o mutis muy pensados para esperar las risas. Se aplaudió, ciertamente. En un estreno de los de hoy, eso es poquísimo.

Enrique Centeno

Ocho mujeres **

2011-12-17T10:15:00.000-08:00

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Autor: Robert Thomas.

Adaptación de Juan José Arteche.

Intérpretes: Queta Claver, Elisenda Rivas, Elena Maurandi,

Ana Labordeta, María Luisa Merlo, Verónica Luján,

Eva Higueras, Yolanda Farr.

Escenografía: José Miguel Ligero.

Dirección: Ángel García Moreno.

Teatro: Fígaro. (4.10.1999)

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Una divertida madeja

El desdichado y único hombre al que no se ve nunca en esta comedia, vive entre ocho mujeres. No es extraño, pues, que aparezca asesinado de una puñalada por la espalda, y, como alguien comentaba en el entreacto, que quizá una de ellas le había clavado el cuchillo, y las demás hubieran ido empujándole después, una a una. La ocurrencia, ciertamente macabra, surgía, sobre todo, porque la obra une el misterio del crimen con muchos momentos de humor, y porque sus diálogos, muy bien construidos, cambian de registro permanentemente, dosificando las risas y el misterio con extraordinaria habilidad.

Robert Thomas, autor ya desaparecido, sigue los pasos de su maestra, Agatha Christie: ir descubriendo falsas coartadas, introducir pequeños engaños e ir retratando al mismo tiempo, a los diferentes personajes, para llegar al final imprevisto, y absolutamente imposible de adivinar. En la línea de la famosa autora, yo creo que Thomas es mejor constructor de comedia, y que su carpintería teatral denota un conocimiento específico de la escena superior al de aquélla. Su frescura y sentido del humor son, además, elementos diferenciadores dentro de este género al que últimamente nuestro panorama teatral está prestando una insólita acogida (La ratoner, La dama de negro, La huella) en lo que venimos en llamar teatro de evasión.

Esa agilidad, ese sentido del humor al que nos referimos, precisa de manos expertas, de una habilidad especial para dosificar sorpresas, acciones secundarias, movimientos escénicos y un determinado clímax que, en este caso, el director, Ángel García Moreno, ha empleado con su habitual y reconocida sabiduría. Y se comprenderá que, tratándose de ocho intérpretes femeninas, la calidad está garantizada, porque entre nosotros abundan las espléndidas actrices de teatro. Veteranas unas, como Elisenda Ribas o Queta Clavel, ambas formidables; incombustibles otras, como la admirada María Luisa Merlo –con una pierna enyesada que no la impide, valientemente, mostrar su dominio escénico, su atractiva presencia que todo lo llena-; o más jóvenes como la excelente Ana Labordeta, y la adolescente Eva Higueras en un trabajo lleno de brío y de talento. Forman, junto a Elena Maurandi, Verónica Luján y Yolanda Farr, tres generaciones entrecruzadas –todo aquí se mezcla, como pide el género-, que en un precioso decorado de José Miguel Ligero tejen una madeja imposible de devanar.

Enrique Centeno

Misión al pueblo perdido **

2011-12-17T10:13:00.000-08:00

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Autor: Antonio Buero Vallejo.
Intérpretes: Manuel Galiana, Juan Carlos Naya, Paula Sebastián,
Arturo López, Fito López, María Vidal, Joaquín Molina,

Manuel Gallardo, Pepe Sanz, David Zarzo, Sergio Fernández.

Escenografía: Fancisco Sanz.
Diseño de proyecciones: Carlos Abad.
Dirección: Gustavo Pérez Puig, Mara Recatero.
Teatro: Español. (8.10.1999)
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Buero, la guerra civil como paisaje

Hace ahora cincuenta años que Buero subió por primera vez al escenario del teatro Español, en aquel 1949 en el que “Madrid era una ciudad de un millón de cadáveres”, como escribió Dámaso Alonso, en un verso que sirvió de título al estudioso de Buero, Ricardo Doménech, para analizar su Historia de una escalera. Obra que, si no resucitó a nadie, sí constituyó un revulsivo para los anales de la historia del teatro español del último medio siglo. Este estreno tiene, en ese sentido, un aroma de homenaje, de celebración, de cariño al gran autor.

Suenan y se funden los himnos del Cara al sol con A las barricadas, con la Marcha Real, con el Puente de los Francese, antes de levantarse el telón: Buero ha querido volver al conflicto de la guerra civil española porque, según afirma, “los hombres no podrán superar sus miserias si no las tienen muy presentes”. Y sin embargo, en esta última obra utiliza un imaginado episodio de la guerra civil para universalizar conflictos situándose, él mismo, en un terreno neutral desde el cual reflexiona sobre la tolerancia o el fanatismo. Su valentía como escritor que padeció la cárcel y la condena a muerte por la facción sublevada, consiste en que, de alguna forma, la contradicción la provocan, precisamente, los personajes del bando leal a las instituciones. Veamos: La misión al pueblo desierto consiste en recuperar, por parte de dos milicianos, un cuadro de El Greco que un pintor custodia, junto a las líneas fascistas, para evitar que caiga en sus manos. Y es el encuentro de estos personajes el que produce la contradicción o la pugna que Buero plantea. El cuadro corre peligro en su traslado, para evitar que cayera en manos de los enemigas. De modo que el pintor, de nombre Plácido, ejerce de árbitro entre el riesgo y la necesidad. Trata de conciliar posturas ante los milicianos, entre los cuales también hay diferencias de criterio. Como se ve, Buero elige como metáfora del conflicto una pintura, esa pasión suya que aflora en otras obras, como en El sueño de la razón o Las Meninas.

Tampoco el procedimiento dramático es nuevo: en realidad, todo lo que el espectador ve es la escenificación de una supuesta lectura que se hace en una Asociación Cultural, que rememora así aquel episodio presuntamente verídico (también ha surgido, por cierto, un conflicto entre los miembros de esa entidad sobre si debe ser leído o no). Recurso similar al de su obra maestra, El tragaluz, con elementos distanciadores del teatro de Brecht (es una evidencia que el profesor Mariano de Paco ha señalado, frente a ese “efecto de inmersión” que acuñó Doménech y que nunca hemos entendido ni compartido).

En cuanto a la estructura del drama, que naturalmente no ofrece salida ni solución alguna, este se desarrolla en dos partes, vigorosa y sugerente. La primera y ciertamente tediosa; la segunda, donde el autor pierde el tiempo con diálogos verdaderamente cansinos e innecesarios (puede estar largos minutos explicando cómo embalar el cuadro, cómo transportarlo, atarlo, sujetarlo al pasajero), con esa prosa cuidada, perfecta y en ocasiones no apropiadas para el nivel del lenguaje que se supone a los diferentes personajes (es una tendencia del autor, que ya ha mostrado en sus últimos títulos).

El montaje, que firman conjuntamente Gustavo Pérez Puig y Mara Recatero, ha querido retratar la irrealidad del relato –es decir, el hecho de que sea una imaginada lectura- mediante decorados ficticios, conseguidos a base de proyecciones en una pantalla gigante, delante de la cual se mueven los actores. Si conceptualmente la idea parece apropiada, el resultado es, cuanto menos, extraño. Porque esa corporeidad que da su propia característica al teatro, se pierde en la fusión cinematográfica que, paradójicamente, cobra un realismo contrario a lo que probablemente se pretende. Y si este planteamiento de la puesta en escena es discutible por lo apuntado, es sin embargo notorio y ostensible el mediocre reparto o la nula dirección de actores. Conocemos la maestría de Manuel Galiana, desde luego, y da la impresión de hacer su Plácido más con su propia sabiduría que con la adecuación a las situaciones; es lo mismo que le sucede a Paula Sebastián; en tanto el resto el reparto desfila casi literalmente por escena en intervenciones grises o sencillamente penosas, como es el caso lamentable y fundamental de Juan Carlos Naya.

Ya se ha indicado que el estreno sobrepasaba el acto de la propia representación. Se puso en pie el teatro para saludar a su autor, que saludó y se dirigió al público: “Estrené aquí mi primera obra hace cincuenta años. Mi gratitud, que me permitirá continuar seguir siendo autor de teatro en España”. Todos lo esperamos.

Enrique Centeno

Memorias del ombligo del Mundo ***

2011-12-17T10:10:00.000-08:00

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Autor y director: Juan Fernando Cerdas.

Intérprete: Rubén Pagura.

(Compañía Teatro Quetzal).

Teatro: El Canto de la Cabra. (18.8.1999)

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Cuentos de la isla de pascual

Tras el excelente monólogo de Molly Bloom, la sala El canto de la Cabra ofrece, en la placita aneja a su local otro interesante trabajo unipersonal que va consolidando el curioso espacio en el yermo estío teatral de Madrid.

El Ombligo del Mundo es la traducción de Te pito te Henua, una de las denominaciones de Rapa nui o isla de Pascua, como fue bautizada por los holandeses. Aislada en el pacífico, sus enigmáticos monumentos o moais han provocado diversas fantasías, y en esta obra se cuenta una más de ellas que sirve al autor de curiosa parábola. El texto posee esa ingenuidad del cuento, de la historia casi infantil que trata de aleccionar y cuyas conclusiones aparecen algo confusas.

La fascinante fábula cuenta cómo llegaron a la isla un centenar de hombres procedentes de América y dominaron a los habitantes originarios que, como se sabe, procedían de la Polinesia. La leyenda atribuye a unos y a otros las denominaciones de “orejas largas” y “orejas cortas”, y es el material que le sirve al autor Fernando Cerdas para imaginar cómo se produjo el sometimiento de la población, su esclavitud y el fin de su propia cultura. Como toda parábola, encierra su moraleja: el avance de la técnica –aquí la construcción de los gigantescos moais- va terminando con la primitiva economía de subsistencia -la agricultura, el trueque, el cooperativismo- y provoca consecuencias funestas de desigualdad, hambre y agresión a la naturaleza. El texto es un canto a la sencillez, al primitivismo, al estatismo que la civilización de la isla debió conservar para no perecer. También, claro está, un alegato contra la explotación y el esclavismo, aunque la asociación de todo ello no obedezca a planteamientos coherentes o dialécticos.

En todo caso, interesan las historias que el actor va desgranando. Él es Rubén Pagura, veterano del teatro de Costa Rica, que posee unas prodigiosas facultades para cambiar de registros encarnando a numerosos personajes dentro de sus relatos, hechos al modo de un cuentacuentos. Juega asimismo con técnicas de mimo, e interpreta canciones autóctonas intercaladas en los diversos pasajes (es también cantautor y compositor de música para distintos montajes teatrales). Su virtuosismo y singular capacidad son el verdadero sustento de un espectáculo que se sigue con placer tanto por lo narrado como por la admiración que él mismo suscita.

Juan Fernando Cerdas no es un autor conocido entre nosotros, y la larga trayectoria en su país difícil de conocer, porque las referencias que poseemos están hechas por un estudioso especialmente conservador (Dispárenle al crítico, de Andrés Sáenz, Universidad de Puerto Rico). Seguiremos en la misma situación, ya que este texto da la impresión de alejarse del resto de su dramaturgia, y pensado expresamente para su intérprete (con el que fundó el Teatro Quetzal, nombre de la compañía, que ya visitó esta misma sala hace un par de años). Lo que aquí consigue, en todo caso, es una poética casi mágica cuyo primitivismo argumental el público sigue con una especie de encandilamiento infantil, apenas roto por alguna clave distanciadora. Al excelente actor se le dedicaron, en un día de función no de estreno, a la que asistimos, muchísimos aplausos sin duda merecidos.

Enrique Centeno

Me sale de mi cabecita ***

2011-12-17T10:06:00.000-08:00

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Espectáculo creado e interpretado por Alexis Valdés.

Teatro: Alfil. (17.9.1999)
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Tremendo cubano

A pesar de su juventud, Alexis Valdés lleva en su maleta unos cuantos premios, como actor y humorista, en Cuba, y no hace mucho decidió traérselos a España y buscar aquí acomodo escénico. Me sale de mi cabecita es un espectáculo que tiene muy ensayado y con muchas representaciones detrás, sin que haya perdido frescura. De modo que da la impresión de que lo hace por vez primera: se ríe de él mismo, parece disfrutar con sus historias, y se hace amigo del público, de forma natural, afable. Se le puede calificar de showman, pero muchas cosas en él delatan que es, sobre todo, un excelente actor, que posee, como valor añadido, la inteligencia de preparar sus propios guiones muy elaborados, donde la chispa, el regocijo continuo, se mezcla con una burla permanente hacia todo lo que le rodea.

Dice el actor, al comenzar su actuación, que han llegado a confundirle con Dios, licencia que le permite el sueño del todopoderoso; lo que haría y lo que no haría (con los hombres, con este intransigente Papa, con él mismo), y logra paradojas y sinsentidos verdaderamente desternillantes. Y es capaz de pasar, desde esa fingida vanidad, a burlarse de su persona, a realizar afectos, pero tremendas sátiras sobre Cuba, sobre sus gentes, sobre la negritud, sobre el imperialismo norteamericano.

Lo más interesante de Alexis Valdés es que no trabaja para el público memo, que suele ser el destinatario de la mayor parte de los humoristas en solitario. Sin el histrionismo de Leo Basi, sino más cerca de la acidez cálida de Pepe Rubianes. Sus comentarios y reflexiones contienen siempre complicidades para un público que se mueve en sus mismas claves (en ese sentido, cabría hacerle una objeción: la canción Manuela y sus alusiones a Julio Iglesias, que es la tentación vulgar de todos).

El teatro Alfil es un buen ámbito para este espectáculo y para su público, fundamentalmente joven, y que desea recuperar el humor devaluado que suele aparecer en la televisión. A Valdeés se le veía feliz después de terminar su hora y media de incansable trabajo, porque el público, entusiasmado, le dedicó muchísimos aplausos al final.

Enrique Centeno

Más o menos amigas **

2011-12-17T10:03:00.000-08:00

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Autor: Jaime Salom.

Intérpretes: Silvia Tortosa, Montse Clot, Nicolás Dueñas.

Escenografía y dirección: Manuel Galiana.

Teatro: Reina Victoria. (25.8.1999)
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El excelente escritor Jaime Salom ha presentado su casi fijo estreno anual, en esta ocasión anticipándose al inicio de la temporada. El drama Mariposas negras, el policiaco La trama y la comedia histórica El otro William, sus últimos estrenos, hablan por sí solos de una escritura y una imaginación versátil, también con diferentes resultados. Esta Más o menos amigas nació hace ya unos años con otro título, Una noche con Carck Gable, y se estrenó en el teatro Thalía, de Nueva York. La comedia fue creciendo en su escritura y, lo que era prácticamente un monólogo, se construye ahora corporeizando a otro personaje, la amiga-hermana que la protagonista evocaba entonces.

En realidad, estas dos amigas son hermanas, reencontradas bajo un mismo techo después de largos años de separación. Lo que importa es el contraste de ambas vidas, de actitudes vitales muy diferentes: el conservadurismo de la una –la actriz Montse Clot, que debuta en nuestros escenarios pero que ya hizo la primitiva función en el estreno citado- y el alocamiento bohemio de la otra –Silvia Tortosa-, a las que el autor ha querido hacer ama de casa obsesionada por el orden, y actriz buscando el triunfo, respectivamente. Con este material, Salom crea una serie de encuentros no estructurados rigurosamente, sino más bien como cuadros sueltos y largos parlamentos, o monólogos que delatan el origen de la primitiva escritura. La reafirmación de cada una de ellas en sus roles vitales, los recuerdos de su primera juventud juntas, las permanentes discusiones que no impiden el afecto de fondo.

Ya se comprenderá que estamos ante una comedia amable, simpática, donde abundan los chistes y el humor, que trata de presidirlo todo. Es un género más difícil de lo que puede parecer, y sus primeras representaciones deberán servir para limar muchas imperfecciones, inseguridades de interpretación, incluso deficiencias mecánicas que se observaron en la siempre nerviosa noche del estreno. Que es, sin embargo, la que el crítico debe comentar aunque en ocasiones, como ésta, le resulte especialmente incómodo.

Se ha cedido la dirección del espectáculo a Manuel Galiana. Y ha ideado éste una escenografía que parece querer evocar una pista de circo, marcada por elementos multicolores que conforman un semicírculo pero que, al mismo tiempo, son tapados por feos elementos de mobiliario convencional. Una cadeneta de luces y un horroroso ciclorama dorado completan el pastiche cuya aparición, apenas alzado el telón, produce incomodidad. No es este el único error del admirado actor, porque su dirección es claramente insuficiente tanto en lo que se refiere a construcción y clarificación de personajes, como al juego escénico y al difícil y depurado ritmo que el género exige. La comedia, además, da la impresión de estar escasamente ensayada, como hecha todavía a medias. Y el resultado es, por todo ello, endeble y, por qué no decirlo, incluso aburrido.

Esa sensación de función sin terminara alcanza, como es natural, a los intérpretes. Es insuficiente la soltura habitual de Silvia Tortosa, porque le faltan los matices y la agudeza de su personaje; le ocurre lo mismo a Montse Clot, que acusa de modo más ostentoso la falta de trabajo; y hace un brillante pero convencional trabajo Nicolás Dueñas, en el anti-galán que otorga un cierto ingrediente de enredo, también con el procedimiento del largo parlamento. En suma, y aun tratándose de un juguete ligero, lo que se percibe es que el talento de Salom está muy por encima de este producto.

Enrique Centeno

Martes, 3.00 a.m. Más al sur de Carolina del Sur ***

2011-12-17T09:52:00.000-08:00

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Autor: Arturo Sánchez Velasco.

Intérpretes: Mélida Molina, Roberto Enríquez,

Alberto de Miguel.

Escenografía y vestuario: Elisa Sanz.

Dirección: Luis Miguel González Cruz.

Teatro: Círculo de Bellas Artes. (17.9.1999)

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En el bosque de un aparcamiento

El Astillero es un colectivo formado por algunos de los más interesantes creadores de la nueva escena que emerge. Suman entre ellos varios e importantes reconocimientos, y ofrecen singularidad, riesgo y calidad. El director de este espectáculo, Luis Miguel González Cruz, es premio Calderón de la Barca y acaba de ganar el Lope de Vega, pero demuestra aquí, como autor de la puesta en escena, que conoce muy bien este oficio. Por su parte, Arturo Sánchez Velasco fue el último galardonado con el Marqués de Bradomín para jóvenes autores (tiene ahora 25 años).

Este Martes, 3: a.m... es un texto de riesgo, sin contaminar, sin imitación a nadie. Transcurre en un aparcamiento subterráneo muy particular, con carril-bici y un extraño habitante que ha acampado en una de las plazas. Una especie de demiurgo y de rebelde derrotado, cuyos conocimientos y cierta perversidad, contrastan con la inocencia de los otros dos personajes. Mia es una joven desconcertada, ingenua, perdida en el bosque de los pilares de cemento; busca -no se sabe qué- en un mapa, corre, huye, y regresa siempre sin encontrar respuestas a sus reflexiones de mente muy primaria (“O me ahogo o me muero de sed”, se dice a sí misma). Quien la persigue, y a quien ella persigue a su vez en el bosque de pilares, es Don, otro desconcertado con un pasado absurdo. Hablan de soledad sin referirse a ella de forma expresa, de amor, de amistad y de desolación sin que parezcan percibirlo ellos mismos, en un lenguaje de una poética muy sencilla y llena de humor. Se entienden, se odian y parecen pertenecer a otro mundo, o quizá al mundo mismo del aparcamiento en el que se han encontrado (es la cita a la que alude el título).

Los textos, estructurados en numerosos cuadros cortos., se cohesionan muy bien y ofrecen un retrato que se acepta como algo real y natural, gracias también a la excelente dirección. Y, desde luego, a sus tres espléndidos intérpretes, Mélida Molina –magnífica en su gracilidad-, Roberto Enríquez –dicción, presencia, y Alberto Miguel, –la veteranía y la sabiduría de construcción del personaje-, que se mueven por la buena escenografía de Elisa Sanz.

Enrique Centeno

Maravillas de Cervantes ****

2011-12-17T09:43:00.000-08:00

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Autor: Miguel de Cervantes.

Versión de Andrés Amorós.

Intérpretes: Esteve Ferrer, Anna Briansó, Nacho de Diego,

Juan A. Codina, Fernando Sansegundo, Pilar Massa, Cristina

Samaniego, Jesús Hierónides, Rafael Ramos de Castro,

Goizalde Núñez, Gregor Acuña, etc.

Escenografía y vestuario: Joan J. Guillén.

Dirección: Joan Font.

Teatro: La Comedia (Compañía Nacional de Teatro Clásico)

(4.2000)

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Maquta

Circo y comedia del arte

La Compañía Nacional de Teatro Clásico inicia una etapa en la que su nuevo director, Andrés Amorós, tratará de rescatarla del desastre en la que se encontraba sumida en las últimas temporadas. El propósito es, al parecer, incorporar la vanguardia escénica, o la modernidad, a los textos clásicos, algo por lo que había apostado esta Compañía desde su fundación pero que se había perdido. Como paradigma de esa innovación, Amorós ha elegido, como primer director invitado, al irreverente Joan Font, bien conocido por sus lúdicos trabajos al frente de la compañía Els Comediants. No es mal comienzo, aunque, como es natural, puedan hacerse algunas objeciones al resultado.
El subtítulo de estas Maravillas de Cervantes –en alusión a la pieza maestra de El retablo de las

maravillas- reza: Entremeses, magias, engaños, habladurías, elecciones, celos, hipocresías y otras fiestas. Las fiestas, como es natural, las añade Font. Lo demás está en Cervantes, cuyo teatro, como escribió en El Quijote, es “espejo de la vida humana, ejemplo de las costumbres e imagen de la verdad”. Se trata de cinco entremeses cuyas versiones ha hecho el propio Amorós, y que se entrelazan mediante fragmentos de Los habladores, cuya autoría es, como se sabe, muy dudosa, pero que sirve bien para que sus pasajes funcionen como diminutos entremeses entre los otros grandes. El trabajo de adaptación clarifica vocablos y expresiones, creo yo que en ocasiones innecesarias y que nos distraen dichos o palabras clásicas que forman parte de nuestra memoria lingüística, pero que Amorós debe considerar anacrónicas.

Calificados, tradicionalmente, como de "teatro menor", nadie duda de la grandeza de estas pequeñas obras maestras. Algunas, como El viejo celoso, recogen tradiciones culturales que han llegado hasta nuestros días, y que tenían ya sus antecedentes; otro tanto pasa con El retablo de las maravillas, posiblemente el mejor entremés del siglo de oro, tomado también de antiguos relatos. Pero en cada título, en cada tema, aparece el humor crítico, la ironía y la consciencia de nuestro escritor.

Lo que hace Joan Font es, exactamente, lo que se espera de él: una fiesta de la dislocación, una mezcla de circo, de comedia dell’arte, de acrobacias y músicas. Vestuarios de fantasía con evocaciones a la vieja comedia italiana –inequívocos en algunos casos- e incluso máscaras también de aquel teatro; un juego escénico vivo, imaginativo, en un decorado como portátil o prefabricado cuya estética, a diferencia de los elementos anteriores –todo este trabajo es de Joan J. Guillén, con invenciones permanentes- es, sin embargo, feo y convencional. Tanto circo, tanta acrobacia, tanta búsqueda de la sorpresa estética, apagan a veces el texto, y en algún caso –en El Retablo, sobre todo- diluyen la fuerza dramática o crítica en aras de la búsqueda permanente del humor y del ritmo.

Toda la interpretación es impecable, bañada por ese espíritu inconfundible de su director, y con él se mueven, animados, rigurosos, divertidos y excelentemente preparados todos. Es un espectáculo, en todo caso, evanescente, y de él queda más en la memoria la forma que el fondo, porque no se ha encontrado el equilibrio entre Cervantes y la diversión propuesta, aunque ésta, sin la menor duda, se consigue sobradamente.

Enrique Centeno

Agosto (Condado de Osage) ****

2011-12-12T05:15:00.000-08:00

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Autor: Tracy Letts.

Traducción: Ana Riera.

Versión: Luis García Montero.

Intérpretes: Amparo Baró, Sonsoles Benedicto, Alicia Borrachero,

Irene Escolar, Gabriel Garbisu, Antonio Gil, Carmen Machi,

Markos Marín, Miguel Palenzuela, Chema Ruiz, Clara Sanchis,

Marina Seresesky, Avel Vitón.

Escenografía: Max Glaencel.

Vestuario: Iluminación: Felipe Ramos.

Videoescena: Álvaro Luna.

Dirección: Gerardo Vera.

Teatro: Valle-Inclán (CNT). (7.12.2011)
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El fantasma americano

La primera frase de la obra es “¿Qué larga es la vida… T. S. Eliot”. Es lo que lee, en uno de sus numerosos libros, el ya viejo Beverly –lucimiento del actor Miguel Palenzuela- en sus largas referencias al suicidado poeta; el desencanto, la inaceptable frustración. Lo siguiente que oímos -en off-, es: ¡Hijo de puta…! , en el grito de su esposa, Violet. Beverly aconsejó, y cedió sus libros a la inocente empleada, Johnna “India”, siempre presente -perfecta Marina Seresesky-, y, tras su mutis, nunga más se el volvió a ver. Sabbremos, avanzada la representación, cuál fue su adivinado final.
El autor Tracy Letts (Tulsa (Condado de Osage, Oklahoma, 1965) anuncia enseguida el drama realistaque se desarrollará en una vieja y descuidada casa de madera, familiar, con dos pisos y el sesván adaptado como habitación. Sin ventanas abiertas al exterior: es el encierro, el aislamiento. Aquí sucederán cinismos, mentiras y enfrentamientos, adorndos con un negro humor de rupturas, quizá inspirado en los temas de Eugene O'Neill -Largo viaje de un largo día hacia la noche- o del principal Tenneessee Williams (cómo no recordar también a La familia encantadora de Bliss, del británico Coward).

Ha asistido al entierro toda la familia, procedente ”de aquí y de allá”: tres generaciones en las que la única esperanza de la profunda america será Jean, de 14 años -sorprendente la increíble y jovencísima actriz Irene Escolar-, la nieta del avispero familiar. Son tres hijas –ocultemos alguna sorpresa-, la casada, la enamorada –Clara Sánchis y Borrachero, muy bien- y esa abeja reina, Barbara, que creará Carmen Machi.

Al regresar del pueblo, se ponen en marcha los aguijones. La hija enamorada, Ivy –muy bien Alicia Borrachero-, del supuesto y mucho más complicado primo; el marido de Bárbara –ya lo diremos-, Bill, infiel y seductor con sus alumnas -siempre destacado Antonio Gil-; la casada menor –lo hace con inteligencia Clara Sanchis- que soporta a un marido – lo trabaja Gabriel Garbisu- capaz, nocturnamente, de aprovecharse de la adolescente Jean; la tía de las hermanas, Mattie, gran observadora, que en el ardiente agosto -un fantasma asfixiante de la casa- sabía bien lo que ocurría -es la siempre admirada Sonsoles Benedicto-. Qué placer da escuchar a todos los magníficos intérpretes del reparto.

Fotografías de David Ruano

Palabras mayores son ya las de Amparo Baró -Violet-, a quien no veíamos hace tiempo fuera de las pantallitas. Una especie de Bernarda que, al quedar viuda, intenta mandar en la casa; que padece una cierta enfermedad mental, a veces llena de pastillas, con palabras incorrectas, y, en todo caso, hablando continuamente: le diagnosticó su cansado marido un “cáncer de boca”. Ordena, exige, se opone o desprecia; tanto desde su cama, por las escaleras, sujetándose a la barandilla, subiendo por allí a cuatro patas, como golpeando en la sala de estar: es toda la amargura que le impide liberarse del dolor. Baró hace un dramático personaje que pasa igual de la tragedia, la ironía o la desesperación, al amor perdido. Todo lo que le pidan.

Con la alta calidad de todos, es natural que se esperara ver de nuevo a Carmen Machi, continuamente en las tablas -quince años lleva-, y que se ha hecho conocer por la televisión. Es Bárbara, engañada y cansada del marido que decide divorciarse de ella. Fuerte, enérgica, es la voz alta capaz de dominar el carácter de todos. Lucha, incluso físicamente, y en los diálogos con la madre, se enfrentan midiéndose mutuamente; hay momentos de apasionantes luchas. “¡Ahora mando yo aquí! ¡Aquí mando yo!”, gritó ante la familia mientras se cierra el segundo acto. Pero no será así.

La arquitectura escenográfica del siempre creador Max Glaenze, con la sabia iluminación de Felipe Ramos, compone ese vetusto caserón en las horas agotadoras. Y en él hace Gerardo Vera quizá el mejor montaje que ha dirigido, cuidando con talento a los actores, el ritmo, los movimientos, las tensiones y juegos corales. El texto le ha permitido un verdadero espectáculo.

Hacía mucho tiempo que no veíamos tantos aplausos finales, con el público en pie y entre bravos. Eso hicimos todos.

Enrique Centeno

Macbeth ***

2011-12-04T22:02:00.000-08:00

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Autor: William Shakespeare.
Versión: Helena Pimenta.

Intérpretes: José Tomé, Pepa Pedroche,
Óscar Sánchez Zafra, Javier Hernández-Simón, Tito Asorey,
Belén de Santiago, Anabel Maurín.

Escenografía y dirección audiovisuales: José Tomé.

Diseño audiovisual: Emilio Valenzuela y Eduardo Moreno.

Iluminación: Felipe Ramos.

Vestuario: Alejandro Andújar.

Dirección musical: Iñaki Salvador.

Dirección voces: Juan Pablo de Juan.

Interpretación coral: Coro de voces graves de Madrid.

Dirección: Helena Pimenta.

Teatro: El Canal. (1.12.2011)

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Crímenes en tres dimensiones

Recientemente, cada dos temporadas nos trae Shakespeare a Madrid su Macbeth, siempre con formidables resultados. (Carlos Alfaro, junio 2008, Declan Donnellan, mayo 2010; v. blog). Helena Pimenta, conductora de la compañía Ur, ha dedicado muchos de sus montajes y adaptaciones a los títulos del autor. Empezó con Romeo y Julieta, hace ya quince años -teatro Olimpia-, y aquí vuelve a ofrecernos su talento.

Fotos de David Ruano

Hoy, con frecuencia se incorpora al teatro el arte audiovisual; en este montaje no se utiliza como escenografía o apoyo, sino ya como sustitución a la teatralidad. Es aquí una ejecución deslumbrante –lo hacen Emilio Valenzuela y Eduardo Moreno- sobre un simple ciclorama que ocupa todo el fondo. Como un prólogo, dos monumentales y etéreas manos desde donde van deslizándose las arenas de Tierra, mientras el futuro rey Macbeth permanece bajo ellas y sobre su trono. A lo largo de la representación se enriquecen o sustituyen algunas escenas; veremos igual a Lady Macbeth, a los caballos de la guerra de Escocia –vuelan como los cuatro jinetes del Apocalipsis- o el ejército con columnas de soldados. Se entremezclan el audio con videos grabados, de individuos inquietantes con sombreros de hongo, la duplicación de un coro real al que no encontramos, sino en transparencias.

Toda la plástica parecería firmada por Magritte. Y el verdadero calor, la pasión y el acercamiento lo crean nuestros actores. Nunca habíamos contemplado algo parecido.

Casi desnudo el escenario, ofrecen, desde luego, una rica interpretación –esta vez, sí- bajo el buen hacer de Pimenta. Ha indicado al iluminador –Felipe Ramos, experto- esas presencias mutuas, el expresionismo en dominio del negro, tendencias que, igualmente, cubren los vestuarios de Alejandro Andújar: la blancura de la iniciadora de los crímenes es la ruptura hermosísima, que interpreta estupendamente Pepa Pedroche.

La directora ha debido temer la competencia entre las tablas y el ciclorama, pero siempre están los actores que, en carne y hueso, serán quienes se enfrentan al patio de butacas haciendo ascender la tragedia. Lo hacen siete intérpretes, a veces duplicados, y aun así eliminados algunos del original. La intimidad y ambición del rey Macbeth lo crea ricamente José Tomé; igualmente, con talento sentimental y víctimista, lo consigue tiernamente Óscar Sánchez-Zafra. Igualmente brillan Javier Hernández-Simón -Banquo-,Tito Asorey –Ross-, Belén de Santiago, y Anabel Maurín -Lady-; con cambios y con algunos momentos, como el discurso nazi sobre el futuro poder político. Pimenta ha querido trasladar el engaño, el cinismo, la falsedad, la violencia y el crimen al nazismo. No parece muy original.

La función concluirá con el concierto de la tragedia, con un emocionante Coro de Voces Graves de Madrid -en el escenario y en el patio-. El día del estreno entusiasmó a todo el público, que aplaudió al final ardientemente.
Enrique Centeno

Con el rumor del paisaje *

2011-12-02T12:34:00.000-08:00

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Intérpretes: Morgane Amalia, Marta Cuenca.
Escenografía: Ariel Vaccaro, Faro Luciole.
Dirección: Jorge Sánchez.
Faro Luciole-Teatro Errante.
Teatro: Cuarta Pared. (13.11.2011)
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El absurdo perdido

Hablan sin cesar estas dos actrices, sentadas, espalda con espalda. Lo hacen a una velocidad de vértigo con frases incomprensibles, cortas y en diversas lenguas. Es un misterio saber si, verdaderamente, dicen algo concreto. Se nos va yendo una cierta sonrisa que nos produjo al comenzar. Se levantan, por fin, y se mueven por el escenario, cada uno a su aire: hablan ya un poco más despacio, en castellano -a veces con acento argentino-, francés, portugués, italiano –puede que también en sueco- y emiten con brevedad tonos de canciones tradicionales.

Hay en el escenario una composición de grises, con elementos cúbicos en diferentes posiciones. Y algunos de ellos pueden tomarse con luces interiores, en una viva estética. Toman las dos mujeres un globo que representa la Tierra. Y mueven por su superficie un pequeño muñeco articulado. Distribuyen también, por los suelos, otros pequeños volúmenes –que van sacando del muro-, consiguiendo una agradecida plástica. ¿Qué van diciendo en voz alta?

La incomprensión de los textos –a veces pequeños comentarios de anécdotas inútiles, vulgares-, es quizá un recuerdo del teatro absurdo, pero sería una ofensa entre aquella reflexión, crítica y testimonio social: aquí nada tiene contenido. Podríamos calificar la función como minimalista entre Ionesco y el pintor Echer. En todo caso, lo mejor de la obra es que su duración no llega a una hora.

Enrique Centeno

Perros en danza ***

2011-11-29T12:56:00.000-08:00

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Autora: María Velasco.

Intérpretes: Marina Blanco, Jesús Gago, Carlos

Martos, Elisabet Altube, Ángel Sánchez, Aarón

Lobato, Sonia Vázquez.

Vestuario: Tomás P. Villa.

Escenografía e iluminación: Marta Cofrade.

Dirección: Pablo S. Garmacho.

Teatro: Cuarta Pared. (24.11.2001)

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Cuadros de nuestra guerra

Quedan desnudos los pilares y las vigas de una incendiada iglesia. En el solar, sacos terreros, trincheras perdidas donde veremos a los muertos. Ya en una escena inicial, dos homosexuales que asquean a un guardia civil: lleva aún el uniforme de la legal España Republicana. Veremos también otros espacios, pero el más expresivo –escenografía hermosa que ha hecho Marta Cofrade- es ese centro de una de las estampas de nuestra Guerra Civil.

En su obra, la joven autora María Velasco ha querido retroceder setenta y cinco años, para llegar a la tragedia del levantamiento militar: con su conciencia, o por relatos de algunos supervivientes. Son numerosas escenas, variados temas donde toca y cita infinitas situaciones. Son muertos asesinados, caídos, torturados o humillados.

Utiliza continuas citas, desde el conservado edicto del general Queipo de Llano, en sus voces por la radio de Sevilla, al también general Millán Astray, fundador de La Legión, cuyos soldados le obedecieron camino de la Península – “Cuando oigo la palabra cultura echo mano a la pistola”-. Y del filósofo Unamuno frente al levantamiento, al poeta García Lorca, asesinado a tiros –dice uno de los personajes que fue disparado en el culo por “rojo o maricón”-. Escucharemos a los actores –y grabaciones- la conocida canción lorquiana: “De los cuatro muleros/ que van al campo". (Quisiéramos indicarle a la autora que se trasladó la letra como Los cuatro generales/ mamita mía / que se han alzado). Y escuchamos otras canciones o himnos de la guerra: anarquistas, comunistas, o de la Falange –se menciona el nombre de su jefe fascista, José Antonio Primo de Rivera- especialmente en los frentes.

Fotos de Julio Castro

Tres años son demasiado para representarlos en estas espléndidas escenas. Saltan de un sitio a otro, por pasajes o en conversaciones. Diálogos perfectos en los que Velasco juega entre el drama, la amargura y el cínico humor. Cortas escenas realistas con una dura danza de la jauría, Perros en danza, título que no terminamos de entender; es una idea que rompe la riqueza textual. Ahí se aísla, incorrectamente, el testimonio y la dramaturgia. Puede ser similar a los coros de la tragedia griega; de hecho, anda por ahí –consciente, o deseada- una mirada hacia Sófocles.

Hay momentos extraordinarios, como la ironía jocosa de los legionarios que bailan con las muchachas del lugar. Lo mismo ocurre cuando el actor Jesús Gago hace un formidable trabajo del transexual que, en una sala interpreta con mucha gracia un cuplé –“Fumando espero al hombre a quien yo quiero…”- entre la caderas y la procacidad seductora. Veremos luego, ya en la calle, los ataques falangistas rodeándole entre escupitajos; la autora también se ha referido –sin citarlo- a las palizas del genial Antonio Molina. Son muchas cosas que recuerdan y, sobre todo, cuentan lo que se ignora. Puede citarse una colección de cuadros, y  lo más estremecedor de la tragedia de una aislada mujer –impresionante tensión que consigue Marina Blanco- matada bajo los fusiles sádicos.

Hemos mencionado a dos de los intérpretes, y es necesario aplaudir a todo el reparto. Seis en total, a veces en personajes duplicados y nada fáciles: Carlos Martos, Elisabet Altube, Ángel Sánchez, Aarón Lobato y Sonia Vázquez. Al espectáculo le da vida el director, Pablo S. Garnacho, que traslada los lugares, marca los cambios, y cuida muchísimo los ritmos.

Enrique Centeno

Carmen ***

2011-11-23T12:34:00.000-08:00

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Autor: Salvador Távora.
Intérpretes: Lalo Tejada, El Mistela, Ana Peña,
Nuria del Rocío, Crmen Vega, Marco Vargas,
Antonio Delgado, Amador Rojas, J. de la Puerta,
Manuel Berraquero, Joaquín Amaya.
Banda de cornetas y tambores Santísimo Cristo
de las Tres Caídas.
Compañía La Cuadra.
Dirección: Salvador Távora
Teatro: Albéniz. (12.10.97)
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"Carmen", la de Salvador Távora

Hay una mujer en este espectáculo, de nombre Lalo Tejada, que turba la mente y los sentimientos. Así es imposible hacer una nota crítica supuestamente objetiva. Es Carmen, la cigarrera, y su danza heterodoxia, sus movimientos y pasiones corporales, su poética obscenidad, su pecaminosa pureza, hace entender la leyenda de aquella andaluza de la historia y la memoria.

Para empezar, es lo primero que Salvador Távora nos brinda: una diosa capaz de desencadenar la locura y la tragedia. Y para ello, monta una coreografía hermosa, provocativa y dulce, Que posiblemente llega al paroxismo total, en una escena cumbre, aquella en la que danza con y contra el bonito caballo, en cabriolas y mutuas, que simbolizan la seducción y el acto amoroso con su jineta.

Esta Carmen lleva como subtítulo “Ópera andaluza de cornetas y tambores”. Su andalucismo es es más que evidente, con diversos cantes, con espectaculares bailes y toques. También está presente una gran banda de cornetas y tambores, y tales elementos los explota Távora con esa sensibilidad poética que busca, continuamente, la imagen conmovedora o emocionante, y que no repara tampoco en trucos para subrayar, acrecentar emociones, aunque sea a costa de aberraciones, como amplificar los micrófonos, los pateados (todos van con micrófonos), porque nuestro director adora los decibelios, el estruendo auditivo).

Respecto al carácter de ópera, la cosa parece dudosa. En esta ocasión, La Cuadra prescinde de una sola palabra hablada, pero sus textos cantados son exclusivamente épicos, narrativos –una excepción al final, de carácter simbólico-, y más bien, el espectáculo podría encuadrarse en el género de la pura danza. Lo cual no tiene la menor importancia, desde luego, pero puede ser un camino que limite el el discurso ideológico, y eso sí marcaría un cambio en esta compañía, desde el mítico Quejío hasta el Picasso andaluz.

Enrique Centeno

Tres años **

2011-11-23T11:41:00.000-08:00

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Autor: Juan Pastor, a partir de la obra de Chéjov.
Intérpretes: Raúl Fernández, María Pastor,
José Maya, José Bustos, Alicia González.
Iluminación: Pablo Jaenigke.
Escenografía: J. Pastor.
Dirección: Juan Pastor.
Teatro: La Guindalera (10.10.2011)
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Noticias de un cotilleo

El texto original de Chéjov ha sido adaptado y trasladado por Juan Pastor a los años 30. Son los Tres años de unas relaciones amorosas, su decepción y la ruptura. En la obra teatral se utiliza la tercera persona –literatura narrativa- que anticipa y amplía los momentos escénicos: incluso los propios personajes cortan con apartes, para ayudar a sus pensamientos. Hace gracia al público la novela que no se ha querido convertir del todo a la dramaturgia.

En la parte más prolongada –el primero de aquellos años-, los personajes son cómicos exhibicionistas -lo hacen eficazmente- con ese estilo del hábil Vital Aza. Lo que nos preguntamos es qué interés tienen estos retratos.

De la separación, el engaño o los perdidos amores. Podría ser una vulgar comedia comercial, pero el montaje lo salva apoyándose en la farsa. Son las ironías o tristezas de Chéjov en sus decenas de relatos. Aquí, este resultado lo recibimos poco más que con curiosidad. Es llamativo que el teatro de La Guindalera goce con el traslado de las escrituras al teatro. Les vimos, en otra ocasión, en la relación sentimental del autor ruso en Yalta, con el recuerdo emocionante de aquellos enamorados en un simple día, y de un triste y doloroso encuentro de ambos en la imposible y gélida Moscú. Nos quedamos allí.

Una vez más, Juan Pastor hace un fuerte trabajo de actores, y aquí aparecen, además, intérpretes con los que ha trabajado con frecuencia en la sala de La Guindalera. Un equipo de actores de limpieza y talento. Es Julia un personaje engañador: de la aparente sencillez, de la aceptación del matrimonio por interés económico, de la frialdad o la infidelidad. Y lo crea con mucha riqueza la estupenda actriz María Pastor.
El protagonista, Alejandro, hijo de un adinerado empresario, tras un esfuerzo vence su timidez para acercarse a Julia y declararle su amor. Y en esta jocosa escena pasará ella del rechazo a la inmediata aceptación: sin intención, Alejandro le ha hecho saber su posición económica. El propio público se va recociendo, cuando confiesa en monólogos sus sentimientos y felicidad: del resultado obtendrá la injusticia y burla. Quien lo hace es el espléndido actor, Raúl Fernández, con una gran interpretación –larga, rompiente-, llevando la alegría y el dolor con formidables escenas, desde la alegría al drama.

El reparto, junto a los dos actores citados, clava todos sus personajes y las rupturas al público. El maduro Gregorio lo hace el veterano y estupendo actor José Maya, un sujeto gracioso que, entre sus supuestos afectos hacia Alejandro, le da continuos sablazos. Es también testigo de aquellos tres años, y nos lo va contando. También es perfecto el trabajo de José Bustos y de la actriz Alicia González, que representará muy bien a la perdedora mujer -Paulina-, inteligente y observadora.

El trabajo de la dirección y la enorme calidad de los actores son lo que, verdaderamente, dan mérito y aplausos a Tres años.

Enrique Centeno

No son todos ruiseñores **

2011-11-23T10:24:00.000-08:00

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Autor: Lope de Vega.

Dramaturgia de Yolanda Pallín.

Intérpretes: Fernando Sendino, Montse Díez, Lucía

Quintana, José Luis Patiño, Francisco Rojas, Antonio

Molero, Nuria Mencía.

Escenografía y vestuario: Tatiana Hernández.

Dirección: Eduardo Vasco.

Teatro: La Abadía. (29.4.2000)

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Un experimento perverso

Sabía mucho el vividor Lope de Vega, de enredos y amoríos; y los sabía plasmar en esa filigrana de versificación tan suya, tan fácil en apariencia –“en horas veinticuatro pasaron de las musas al teatro”-, y tan llena de ingenio, como en esta casi desconocida comedia que la compañía Noviembre ha rescatado y cuya versión ha hecho la autora Yolanda Pallín. Lo que queda hoy por encima de aquellas tramas -que se anticiparon en siglos al vodevil moderno-, son otras cosas, claro está, porque las boberías de la comedia de enredo se sostenían en una peculiar cultura y sociedad, ante unos públicos muy diferentes y ya lejanos.

Lo anteriormente dicho, hace que podamos disfrutar con aquel género: su estética; su testimonio; su recreación temporal, nos procura el entretenimiento y hace volar la imaginación a otros mundos, a aquel pasado: alguien dijo que nada como el teatro sirve para conocer la historia de los pueblos, incluso más que los escritos de los historiadores. Yo creo que la actualización de un texto de este género carece de sentido, y que ilustrarlo con canciones de Sinatra, vestir a sus personajes en época actual, e incluso hacer un soneto a ritmo de rap, es someter a Lope a una confrontación perversa en sí misma. Lo cual, desde luego, no sucede cuando se hace con sus dramas o tragedias, del mismo modo que Shakespeare soporta bien el paso a nuestros días. No se trata de negar esa tentación, sino de discriminar qué obras se prestan, y cuáles no, a la traslación.

Porque situando No todo son ruiseñores en nuestros días queda ya, simplemente, el juego tonto del enredo, el vodevil tantas veces visto, y que se soporta, exclusivamente, por su gracia verbal, y no por ninguno de los recursos estéticos modernos que en este montaje se han incorporado. Es más, afirmamos que es un trabajo perverso en el sentido de que si se descontextualiza a Lope, cabe el peligro de equipararlo a Feydeau o a cualquier otro autor del vodevil moderno. Lo cual sería un disparate que, sin duda, no pretende esta compañía.

Es excelente, por otra parte, prescindiendo de la equivocada idea del montaje. Queremos decir que ha dirigido muy bien Eduardo Vasco, con movimientos y ritmos escénicos sabios, aislando o conjuntando las escenas con maestría. Como también todos los intérpretes dan muestras, en su evidente disciplina y trabajo, de no poco talento. En esta ocasión son los dos personajes toscos a quienes el público espera aparecer: por el texto en sí, porque lo dicen bien la formidable actriz Nuria Mencía –arrasadora-, y el no menos brillante Antonio Molero. Citas que no impiden reconocer también el trabajo del resto, como el de Fernando Sendino –que necesita aún unas clases de verso-, Montse Díez, Lucía Quintana –fresca, desenvuelta-, José Luis Patiño y Francisco Rojas, quizá el más aplomado en el verso. De todos modos, y parafraseando al propio Lope en su famoso soneto, cuando la comedia concluye, puede decirse aquello de “fuese y no hubo nada”.

Enrique Centeno

Obedecedor ***

2011-11-23T10:20:00.000-08:00

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Autor: Juan Cabestany.

Intérpretes: Cote Soler, Carol Salvador, Fernando

Tejero, Guillermo Toledo, José Luis Alcobendas, Alberto

San Juan, Malena Alterio, Chiqui Fernández, Roberto

Álamo, Santiago Chávarri, Secundino de la Rosa, Pilar Castro.

Escenografía: Beatriz San Juan.

Música: Pedro San Juan.

Dirección: Amparo Valle. Lugar: Teatro Alfil.

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Jorge, el hombrecillo

A través de la biografía de un infeliz personaje –todos lo somos-, quiere mostrar el autor, Juan Cabestany, la situación a la que lleva a ser “miembro” de la sociedad; expresión que el protagonista utiliza como sueño o satisfacción de lo que, día a día, ha ido haciendo desde su infancia. Ser miembro de la sociedad es, por definición, obedecer ciegamente a los padres, estudiar, someterse a las extravagancias autoritarias familiares, y a las del ridículo y maniático profesor. Todo es una caricatura, claro está, porque el espectáculo está montado en clave de farsa humorística, como corresponde a una función de trasnoche –se representa a partir de las 12.30-, pero ello no impide hacer un repaso cruel sobre un mundo que, el espectador, siente la necesidad de dinamitar.

Juan Cabestany

Este hombrecillo, Jorge, transita por diversas etapas de su vida siempre como un súbdito, sometido y manejado. Mueren sus padres, y presencia la corrupción de todos, desde el enterrador al indeseable policía; encuentra un humilde trabajo, y se le quiere explotar en negocios turbios, lo que provocarán su despido; y es víctima amorosa de una furcia, a la que se dedica con la mayor ingenuidad. Un retrato cruel, como se comprenderá, que sin embargo provoca la risotada por la gracia del texto, por la estética esperpéntica, y por la propia hipérbole que los actores -estupendos- hacen de esa fauna urbana. Todos ellos, naturalmente, también miembros de una sociedad que reconocemos y que, en el fondo, sabemos que se acepta.

Familia, obligada educación, mundo laboral, amor, el sexo o la amistad: todo un recorrido plagado de frustraciones, es lo que amargamente nos cuenta Cabestany. La obra está bien escrita, estupendamente construida, aunque se le puede reprochar su excesiva duración: la última media hora repite clichés y llega a agotar al espectador. Por lo demás, el numeroso elenco –algo no habitual en este tipo de locales- realiza un trabajo basado, sobre todo, en la brillantez, en la capacidad de observación, imprescindible para llevar a cabo tantos retratos. Sin duda ha debido ayudar una excelente dirección de Amparo Valle, que engarza loas numerosas, escenas con talento, y que organiza bien el juego escénico. Estamos ante uno de esos espectáculos que podrán atraer al nuevo espectador, tanto por su tema como por su tratamiento y estética; y en ese sentido, resulta también reconfortante.

Enrique Centeno

Otras mujeres ***

2011-11-23T10:15:00.000-08:00

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Autores: Félix Sabroso, Federico García Lorca,

Enrique Gallego, Antonia San Juan.

Interpretación y dirección: Antonia San Juan.

Teatro: Alfil. (28.6.2000)

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Las cosas que nos pasan

Antonia San Juan, que fascinó a todos en su personaje de La Agrado, en Todo sobre mi madre, del Doctor honoris causa Pedro Almodóvar, es, en sí misma, una contradicción y una paradoja desde el mismo momento en el que aparece en escena: su aspecto entre andrógino y hermafrodita; su estilo entre el cabaret y la confesión íntima; su mezcla entre la actriz y la exhibicionista; sus dotes de comunicadora y su escasa voz; su inteligencia evidente que sin embargo se sirve de textos ajenos. Antonia seduce, se hace entender en su permanente vuelta de tuerca al mundo cotidiano, que desentraña a través de trece monólogos elegidos por Félix Sabroso, Enrique Gallego, y una antología de refranes que ella misma ha engarzado con habilidad. También un monólogo de Doña Rosita la soltera, de Lorca: un ejercicio de estilo, un desafío de esos que se recomiendan incluso como prueba para que una actriz demuestre su talento, lo cual hace cumplidamente esta actriz.

Mira Antonia San Juan desde el centro del escenario, apenas sin dominio del espacio, como mujer acostumbrada a la actuación cercana, la del café teatro en el que se ha formado, pero su mirada va casi de espectador en espectador, como queriendo explicarse. Explicar a la mujer murciana, a la madre de hija incomprensible e imposible, a la egocéntrica o a la falsa e hipócrita que cada día nos asalta. Uno de los monólogos, escrito por Félix Sabroso, se llama La mujer sola, y nos recordó al del mismo título, mil veces representado, escrito por Franca Rame y Dario Fo, que nos hizo ver lo viejo de los dos queridos autores italianos al lado de estos textos que presentan conflictos de ahora mismo,

humor de hoy, reivindicaciones, amarguras y risas que pertenecen no tanto al ámbito de las ideologías sino a la vida cotidiana. Es ese conflicto del día a día, ese jirón de rebeldía y de desconcierto, lo que aporta este espectáculo lleno de frescura, de inteligencia. Lo que hace Antonia San Juan es contarnos lo que nos pasa, burlándose de ello pero mostrándolo tras el azogue de un espejo tan cruel como sarcástico, tan risueño como triste. Este espectácuo del Alfil se llama Las otras mujeres: yo creo que ya no son “otras”, que esos personajes nos rodean en un censo cada vez más creciente; que su poética, su superioridad, sus contradicciones y su manera de mirar al mundo son una esperanza de que algo puede cambiar. Y, en ese sentido, la obra, divertida y disparatada, es mucho más innovadora, incluso revolucionaria, que lo que su ropaje frívolo pueda aparentar.

Enrique Centeno

¿Qué hacemos con el chico? **

2011-11-23T10:10:00.000-08:00

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Autor: Rafael Mendizábal.

Intérpretes: Manolo Codeso, Milagros Ponti, Marisol

Ayuso, Lorenzo Valverde, Emilio Morales, Marisol Atarés.

Escenografía: R. Villespín.

Vestuario: Grupo C.V.

Dirección: Manolo Codeso.

Teatro: Arlequín. (18.5.2000)

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El otro teatro

En realidad, esta obra, bajo otro título, De cómo Antoñito López, natural de Játiva, subió a los cielos, se estrenó hace diez años. Es un texto que su autor, Rafael Mendizábal, no debió nunca escribir y que, sin embargo, ahora repone con otro reparto y algunas leves modificaciones que no consiguen, naturalmente, remediar nada. Es Mendizábal comediógrafo de una fecundidad poco común, dotado también de unas especiales dotes para estrenar en nuestros teatros. Me atrevería a decir que es el nuevo Alfonso Paso de teatro burgués derechón y risueño. Como aquel pervertidor de la escena española de los años cincuenta y sesenta, Mendizábal reivindica esa especie de comedia a medio camino entre el sainete, la tradición populista ya casi inexistente, y los valores familiares y religiosos, obsoletos, que mezcla, en esta obra, con actuaciones heredadas de la revista y de la vieja comedia costumbrista.

Manolo Codeso

No siempre lo hace así, todo hay que decirlo. Algunas de sus obras, como ¿Le gusta Shubert?, que fue su último estreno en Madrid, poseen una factura firme, un contenido más o menos polémico, una valentía al afrontar ciertos temas (la eutanasia). Como lo hizo en Mala yerba, que es, además, anterior a ésta que hoy comentamos.

En esta obra, Mendizábal inventa a un matrimonio esclerótico, que se supone de hoy pero que pertenece a la rancia cultura familiar del patriarcado y la sumisión, con la indefensa criada incluida e hijo tonto y sumiso. Es éste, el hijo, el que crea el conflicto cómico, porque resulta que se le aparece la Virgen y casi vive con ella en su habitación, ante el asombro y la incredulidad de todos.

Milagros Ponti

La disparatada ocurrencia sólo tiene una salida para su escenificación, que sería el esperpento duro y puro, pero ni en su estreno de hace diez años, ni ahora, se ha conseguido ese género. En esta ocasión, el camino de la dirección –o supuesta dirección, de Manolo Codeso- se inclina, como es natural, hacia el camino de la revista, del sainete dislocado, y ello produce un efecto perverso hacia el texto: ese marido, esa esposa, la criada y los demás personajes accesorios, resultan mirados con el típico desprecio del astracán antiguo que incluso llega a molestar por sus esquemas reaccionarios.

En el paisaje de antigüedades se mueven los actores, haciendo aspavientos, oponiendo sus orondos físicos -Milagros Ponti- a las menudencias de sus antagonistas –Manolo Codeso- o con burdas imitaciones andalucistas –Marisol Ayuso, tópica pero muy eficaz- o desdichados personajes secundarios de lamentables artes. En su día titulamos la crítica de este espectáculo en el mismo periódico –hace diez años, insistimos- como “El otro teatro”. Hoy hemos querido hacerlo de la misma forma. Y es probable que ese otro teatro, que se empeña en subsistir, continúe siendo el virus que impide el acercamiento de nuevos públicos a nuestras salas, que es la asignatura pendiente de nuestros escenarios.

Enrique Centeno

Pamplinas y Cía. ***

2011-11-23T10:04:00.000-08:00

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Guión: E. Goyanes, García de Águia,
B. Lehn, E. Sánchez.
Intérpretes: Tomás López, Carlos Domingo,
Alejandro Bustamante (piano).
Dirección: Buster Slastik.
Teatro: Pradillo. (5.7.2000)
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En un viejo barracón

Los llamados Veranos de la Villa del ayuntamiento madrileño hace años que no incluyen teatro, si exceptuamos el espectáculo que suele presentarse en la Muralla Árabe. Lo que hace, en cambio, es absorber cuantos montajes hay en la capital y, mediante una minúscula aportación económica, incluirlos en “su programación”. Otras veces añade a su presunto verano teatral obras que llevan ya meses en cartel. Dentro de esta política cultural, que reviste caracteres de verdadero escándalo, suma el Ayuntamiento los espectáculos de las salas alternativas, cuya precariedad las induce a aceptar el dudoso pacto. Lo cual se aclara, para que nadie pueda pensar que la corporación municipal influye lo más mínimo en los títulos teatrales de los Veranos de la Villa.

Pamplinas y Cía, la función que acaba de estrenarse en el teatro Pradillo, es un divertido juego que se asemeja a las viejas barracas de feria, con sus proyecciones cinematográficas de cine mudo. El título alude a Harold Lloyd, ese impertérrito maestro del vértigo y de la comicidad inexpresiva, al que se apodó en España como Pamplinas. Se proyectan excelentes fragmentos de sus películas, como se hace también con Charles Chaplin (otro al que se le puso mote en España: Charlot, que en realidad se refería a un torero bufo con ese nombre que imitaba los gestos del genio; al diccionario ha pasado incluso el vocablo “charlotada”). Entre las entrañables secuencias, en 16 mm., ilustradas muy bien por el pianista Alejandro Bustamante, y los dos actores que, además, aportan los “efectos especiales” a las hilarantes historias, intervieniendo con diversos números. Vaya por delante que su trabajo es aceptable. Y vaya por detrás que, ante el genio de aquellos maestros del cine mudo, cualquier cosa que se pretenda hacer en el escenario, queda minúscula.

De manera que, aun aceptando a los actores como maestros de ceremonia o entremesistas del espectáculo, lo que verdaderamente se nutre es del viejo celuloide. Una antología muy bien hecha, en la que no faltan, además de los citados, otras estrellas de viejo cine cómico, como Buster Keaton, Stan Laurel y Oliver Hardy (otro mote aquí: el Gordo y el Flaco), además de algunos menos conocidos pero igualmente geniales, que no supieron resistir el advenimiento de cine sonoro, y quedaron prácticamente en el olvido. Un recuerdo desde los orígenes, como la evocación en imagen de Méliês y su Viaje a la luna, de 1896, hasta el Chaplin más maduro, el de Candilejas, pasando por gozosas escenas de El chico o El gran dictador. El espectáculo, una especie de primitivo multimedia, proporciona una hora y media de entrañable y lúcido humor

Enrique Centeno

Pato a la naranja **

2011-11-23T09:55:00.000-08:00

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Autores: William Douglas-Home y M. Gilbert Sauvajon.
Versión de J.J. de Arteche.
Intérpretes: Isabel Gaudí,
Tomás Gayo, Charo Soriano, Arantxa del Sol, Julio Escalada.
Escenografía: Anselmo Gervolés.Dirección: T. Gayo, J. Escalada.
Teatro: Real Cinema. (28 7.2000)
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Aquellas comedias de antes

Hace unos veinte años, la comedia era ya famosa y la paseaba Arturo Fernández con mucho éxito. El crítico, que aún no ejercía como tal, sintió curiosidad, y se coló un díaen una representación; aguantó unos veinte minutos, antes de ganar la salida, pensando que lo que allí se contaba nada tenía que ver con la realidad, y que el retrato de esas relaciones y reacciones estaba a años luzya del mundo que le rodeaba. Como en esta ocasión, la repone una compañía relativamente joven, hemosacudido con la idéntica curiosidad por saber qué pasaría en el estreno de esta noche en en Teatro Real Cinema.Pato a la naranja ha querido ser situada en nuestros días, en los que sus personajes se suponen de hoy: un lenguaje algo más abierto –no mucho: es una obra para la burguesía-, con términos actuales –no todos: ya no hacen falta los calificados “culpables” para que se conceda el divorcio- y rico diseño de modernidad en decorado y vestuario. Por lo demás, la función sigue siendo la misma. Un clásico de la comedia que, de tanto haber sido imitada, ya se ha vuelto una copia de ella misma. Lo peor -ya queda dicho-, es que no habla de nuestras cosas, de lo que de verdad pasa a nuestro alrededor, sino de lo que podía haber pasado en cierta sociedad británica de hace casi treinta añosNo lo hace mal la compañía. Son todos veteranos jóvenes, unos de las tablas, y alguna del plató, la pasarela o las fotos para la prensa rosa. A mí quien de verdad me gusta es Charo Soriano, claro está: es la actriz segura, de recursos, certera en sus intervenciones (hace de Martirio, la criada); todos los demás están eficaces, con las limitaciones que ya conocemos en cada uno de ellos (Tomás Gayo blandito, Julio Escalada esquemático; mejor Isabel Gaudí; ah: ella, la modelo, la famosilla Arantxa del Sol está bien: queremos decir que sabe estar, hablar, que tiene soltura, porque, de lo demás, no hace falta contar a nadie cómo está).La percepción no es unívoca, pero nos dio la impresión de estar ante un dudoso éxito, un bombazo de humor en el que se soltaran tantas carcajadas a los intérpretes, a tenor de ciertas pausas o mutis muy pensados para esperar las risas. Se aplaudió, ciertamente. En un estreno de los de hoy, eso es poquísimo.

Enrique Centeno

Los emigrados ***

2011-11-17T04:41:00.000-08:00

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Autor: Slawomir Mrozek.

Traducción y versión de Jaroslaw Bielski

Intérpretes: Jaroslaw Bielski, Frank Feys.

Iluminación: Ana Coca.

Vestuario: Rosa García Andújar.

Escenografía: Gabriel Carrascal.

Dirección: Socorro Anados, Jaroslaw Bielski.

Teatro: Réplica. (3.10.2011)
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Aquí, entre nosotros

Se conoció en España el teatro del polaco Slawomir Mrozek (1930) en los años sesenta, cuando fue representada En alta mar, obra breve que solía unirse a Strip-Tease. Era una obra que sorprendió y entusiasmó: fue montada por todas partes –no en el teatro comercial- ofreciendo el fuerte humor que atacaba al poder. Un argumento en el que tres náufragos, sobre una balsa, decidieron comerse al más bajito de ellos. Era un juego del absurdo, en esta ocasión un directo teatro político: los poderosos contra los abandonados. Mrozek, después aparece poco entre nosotros.

Y es que los personajes de Los emigrados, que ha montado la compañía Réplika, representan un auténtico realismo, también con esa ironía hasta el humor: no se trata de que Mrozek quiera divertir, sino mostrar la injusta sociedad hacia los inmigrantes, con un procedimiento tan político como teatralmente atractivo. El conocido director también polaco, Jaroslaw Bielski -asentado en Madrid- la ha traducido y adaptado -reconocemos algunos añadidos y términos muy bien elegidos-. Un tema tan cercano y trágico. Son los inmigrantes, unos sin papeles, y otros muchos que sí los poseen; pero en la miseria. Vinieron aquí para ocupar puestos de trabajo: iban a los ladrillos y resultó que los negociantes los abandonaron. No es posible evitar esta referencia, a pesar de que está a la vista. Aquí ya no hay nada del teatro absurdo.

En un caliente sótano, con los tubos de la calefacción del edificio, habitan estos dos inmigrantes a quienes podemos ver por el sucio tragaluz o con una tímida bombilla. Es una estupenda escenografía -Gabriel Carrascal- donde se utilizará una vieja mesa y las dos camas. El denominado AA habla ya perfectamente el castellano; no sabemos bien si es un oculto exiliado de sólida formación y con las suficientes necesidades cubiertas. Y el otro extranjero, XX, procederá de un mundo extraño: habla torpemente, es ignorante e incapaz de leer nuestras letras.

AA, el culto, lo interpreta Bielski con su habitual conocimiento. Encorbatado y cuidadoso -esa corbata pudo convertirse en una soga de ahorcamiento, con sus burlas–, con cierto afecto hacia el inocente XX. Desde su entrada, le adivinamos con su pretendido traje de los domingos, para pasear y observar. Sus torpes fantasías sobre lo que ha estado viendo, provoca enseguida un humor (algo burlesco). Gran parte de la función compone un emparejamiento cercano al Clown y el Augusto; provocan carcajadas en ese juego circense. No hemos visto nunca al actor Frank Feys, que muestra un talento extraordinario para crear a este sencillo XX.

Este soñador XX había ido guardando, billete a billete, los ahorros de su duro trabajo pirata, para regresar a su origen. Desde su supuesta sumisión, comenzó a reaccionar, a defenderse y oponerse a las ofensas. Es ello, en realidad, el centro dramático de Los emigrados. De la reflexión a la rebelión, y la perdición de ambos. Esta larga parte, tensa y creciente, es lo que más nos interesa. El salvamento de la injusticia: este circo ya es la visión política de Slawomir Mrozek. La obra la escribió hace más de 30 años, y es hoy cuando nos llega realmente a casa.

Es un montaje lleno de talento y de calidad. Lo único que puede ocurrir es que, en su muy larga duración, hay momentos en los que se frena la acción, un cierto agotamiento dramático. Son como puntos suspensivos del que, inmediatamente, con un gran mérito, pasa al punto y aparte para reiniciar el drama. Lo evitaría, sin duda, con la división en dos actos, pero ya sabemos que nunca desea nadie el intermedio. Es, en todo caso, una obra necesaria y agradecida.

Enrique Centeno

Purgatorio ***

2011-11-09T15:00:00.000-08:00

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Autor: Ariel Dorfman.
Intérpretes: Carme Elias, Viggo Mortensen.
Vestuario: Rosa García Andújar.
luminación: Ignasi Camprodo.
Dirección: Josep Maria Mestres.
Teatro: El Matadero. (4.11.2011)
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El odio y el perdón

Es ya muy cerca del final, cuando comprendemos que no estamos ante un Sanatorio Psicológico del Purgatorio. En su impoluta consulta, un clásico Doctor -bata blanca-, bloc en mano, comenzará a preguntar a la obligada paciente. Va tomando notas durante un interrogatorio continuo, cada vez más exigente, violento y acusador. Percusión, tecla a tecla, hasta alcanzar el máximo tono de la tensión. Es el método –lo veremos sucesivamente- utilizado para la confesión de los errores o los pecados de odio. Quien lo soporta, va defendiéndose y relatando sus vidas interiores. Después, comenzará lo inesperado.

Ariel Dorfman siempre escribe su teatro casi únicamente textual. Más aún: en escenarios cerrados. Es un autor que siempre enriquece el lenguaje: sus ritmos, los crecimientos, su riqueza literaria. Y quizá lo más difícil: conseguir mantener a dos únicos personajes. En la primera escena mencionada, ella –no se pronuncia ningún nombre, ni siquiera a los individuos de referencia- terminará vencida a pesar de su defensa. ¿Es verdad que mantiene aún su ira? ¿Quizá justificando sus salvajadas? Es él quien quizá busca la venganza, el odio y la crueldad mental.

Aquí no hay ventanas, ni un aire lejos de las paredes. Una A puerta cerrada (Sartre), pero vigilada: el público lo contempla muy cerca, alrededor de los tres lados del escenario. Bien orgulloso debe de estar Dorfman al contar con este equipo. Y es que aquí está Elias, una de las grandes actrices de nuestro teatro; la tenía tan cerca, que esta vez me volvía a quedar estupefacto. El conocido actor de cine, Viggo Mortensen, hace un trabajo magnífico desde el momento en que finge ser el psicólogo. Posee una cálida voz y una riqueza de procedimientos: su leguaje argentino lo aprovecha, más todavía, en ese falso personaje, al igual que en los posteriores.

El autor nos hace esperar para dar la vuelta: los hace salir por la inmóvil entrada y, apenas en unos momentos, aparecerá Elias transformada en doctora psicóloga, junto al acordado paciente de Mortensen. Será ya ella quien portará los guantes de lucha mental; dura, golpe tras golpe, en las preguntas sobre sus injusticias, su belicismo invasor. Hasta agotarle; acorralado y rendido, agachado ya contra la pared. No terminará aquí la batalla, repitiéndose el cambio de papeles, como se había convenido, con esta especie de Medea que confiesa el asesinato de sus dos hijos.

Era, en realidad, una pareja que buscaba su recuperación. Dorfman quiere perdonar, con un Purgatorio de pecados, las dictaduras, los crímenes, tanto en sus tierras como en las Centroeuropeas. No lo hizo en su teatro social anterior; y ahora, como sentimental, prefiere el perdón, conseguir la rehabilitación, absolución y reconciliación. Nos gustaría ver esta obra en su Chile y Argentina, o en Bosnia y Serbia.

Apasionante texto que ha dirigido Josep Maria Mestres magistralmente, para conseguir la pasión durante más de una hora y media de este cara a cara.

Enrique Centeno