Agosto (Condado de Osage) ****

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Autor: Tracy Letts.

Traducción: Ana Riera.

Versión: Luis García Montero.

Intérpretes: Amparo Baró, Sonsoles Benedicto, Alicia Borrachero,

Irene Escolar, Gabriel Garbisu, Antonio Gil, Carmen Machi,

Markos Marín, Miguel Palenzuela, Chema Ruiz, Clara Sanchis,

Marina Seresesky, Avel Vitón.

Escenografía: Max Glaencel.

Vestuario: Iluminación: Felipe Ramos.

Videoescena: Álvaro Luna.

Dirección: Gerardo Vera.

Teatro: Valle-Inclán (CNT). (7.12.2011)
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El fantasma americano

La primera frase de la obra es “¿Qué larga es la vida… T. S.  Eliot”. Es lo que  lee, en uno de sus numerosos libros, el ya viejo Beverly –lucimiento del actor Miguel Palenzuela- en sus largas referencias al suicidado poeta; el desencanto, la inaceptable frustración. Lo siguiente que oímos -en off-, es: ¡Hijo de puta…! , en el grito de su esposa, Violet.  Beverly aconsejó, y cedió sus libros a la inocente empleada, Johnna “India”, siempre presente  -perfecta Marina Seresesky-, y, tras su mutis, nunga más se el volvió a ver. Sabbremos, avanzada la representación, cuál fue su adivinado final.
El autor Tracy Letts (Tulsa (Condado de Osage, Oklahoma, 1965) anuncia enseguida  el drama realistaque se desarrollará en una vieja y descuidada casa de madera, familiar, con dos pisos y el sesván adaptado como habitación. Sin ventanas abiertas al exterior: es el encierro, el aislamiento. Aquí sucederán cinismos, mentiras y enfrentamientos, adorndos con un negro humor de rupturas, quizá inspirado en los temas de Eugene O'Neill -Largo viaje de un largo día hacia la noche- o del principal Tenneessee Williams (cómo no recordar también a La familia encantadora de Bliss, del británico Coward). 

Ha asistido al entierro toda la familia, procedente ”de aquí y de allá”: tres generaciones en las que  la única esperanza de la profunda america será Jean, de 14 años -sorprendente la increíble y jovencísima actriz Irene Escolar-, la nieta del avispero familiar. Son tres hijas –ocultemos alguna sorpresa-, la casada, la enamorada –Clara Sánchis y Borrachero, muy bien- y esa abeja reina, Barbara, que creará Carmen Machi.

Al regresar del pueblo, se ponen en marcha los aguijones. La hija enamorada, Ivy –muy bien Alicia Borrachero-, del supuesto y mucho más complicado  primo; el marido de Bárbara –ya lo diremos-, Bill, infiel y seductor con sus alumnas -siempre destacado Antonio Gil-; la casada menor –lo hace con inteligencia Clara Sanchis- que soporta a un marido – lo trabaja Gabriel Garbisu- capaz, nocturnamente, de aprovecharse de la  adolescente Jean; la tía de las hermanas, Mattie, gran observadora, que  en el ardiente agosto -un fantasma asfixiante de la casa- sabía bien lo que  ocurría -es la siempre admirada Sonsoles Benedicto-. Qué placer da escuchar a todos los magníficos intérpretes del reparto.

Fotografías de David Ruano

Palabras mayores son ya las de Amparo Baró -Violet-, a quien no veíamos hace tiempo fuera de las pantallitas. Una especie de Bernarda que, al quedar viuda, intenta mandar en la casa; que padece una cierta enfermedad mental, a veces llena de pastillas,  con palabras incorrectas,  y, en todo caso, hablando continuamente: le diagnosticó  su cansado marido un “cáncer de boca”. Ordena, exige, se opone o desprecia; tanto desde su cama, por las  escaleras, sujetándose a la barandilla, subiendo por allí a cuatro patas, como golpeando en la sala de estar: es toda la amargura que le impide liberarse del dolor. Baró hace un dramático personaje que pasa igual de la tragedia, la ironía o la desesperación, al amor perdido. Todo lo que le pidan.

Con la alta calidad de todos, es natural que se esperara ver de nuevo a Carmen Machi, continuamente en las tablas -quince años lleva-, y que se ha hecho conocer por la televisión. Es Bárbara, engañada y cansada del marido que decide divorciarse de ella. Fuerte, enérgica, es la voz alta capaz de dominar el carácter de todos. Lucha, incluso físicamente, y en los diálogos con la madre,  se enfrentan midiéndose mutuamente; hay momentos de apasionantes luchas. “¡Ahora mando yo aquí!  ¡Aquí mando yo!”, gritó ante la familia mientras se cierra el segundo acto. Pero no será así.

La arquitectura escenográfica del siempre creador Max Glaenze, con la sabia iluminación de Felipe Ramos, compone ese vetusto caserón en las horas agotadoras. Y en él hace Gerardo Vera quizá el mejor montaje que ha dirigido, cuidando con talento a los actores, el ritmo, los movimientos, las tensiones y juegos corales.  El texto le ha permitido un verdadero espectáculo.

Hacía mucho tiempo que no veíamos tantos aplausos finales, con el público en pie y entre bravos. Eso hicimos todos.

Enrique Centeno  

Madre, (el drama padre) **

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Autor: Enrique Jardiel Poncela.

Intérpretes: Blanca Portillo, Chema de Miguel, Juanjo

Cucalón, Gabriel Moreno, Chisco Amado, Gonzalo de

Castro, Goizalde Núñez, Ruth García, Toni Misó, etc.

Escenografía: Max Glaenzel, Estel Cristiá.

Vestuario: Javier Artiñano.

Dirección: Sergi Belbel. (Centro Dramático Nacional).

Teatro: La Latina. (27.6.2001)

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Jardiel a la americana

Foto de Julio Castro Jiménez

Tercer espectáculo con el que conmemora nuestra cartelera el centenario de Jardiel Poncela. Nos reímos siempre con este madrileño que quiso pasar de puntillas sobre la sociedad de posguerra que le tocó vivir y que prefirió elegir el humor blanco, y quiso cerrar las ventanas de su teatro al mundo exterior. Ya se sabe que, en cambió, innovó fórmulas cómicas y creó un nuevo sentido del humor que ya es referencia clásica: sin duda hay un antes y un después en el género que tiene como referencia a Jardiel.

    No es seguro que a Sergi Belbel, el director de esta superproducción, le entusiasme Jardiel. Lo que sí parece claro es que sus referencias, su imaginario o su formación, están en otros lugares, y que el mundo de nuestro autor no parece ser demasiado conocido para él. De modo que ha optado por modos y estéticas muy ajenas, concretadas en aquellas entrañables comedias norteamericanas en blanco y negro. En este montaje, sólo falta la aparición de Fred Astaire para llevarnos al mito de los años cuarenta de Hollywood. Yo creo que eso es una perversión, porque no hay referencias escénicas que lo justifique

    Madre, (el  drama padre), presenta, una vez más, diversos problemas en cuanto a su escritura. Ha envejecido menos su lenguaje que en otras obras del autor, más centrado en la construcción que en el afán de buscar el chiste. Posee un último acto brillante, sorprendente, inacabable en su desenlace cambiante en cada minuto. Para llegar a ella necesita el autor demasiado tiempo, una hora y media cansina, sosa, francamente aburrida. Se salva la función, gracias a un numeroso y magnífico reparto, muy coral, y una dirección –más bien una coreografía- que aprovecha sus talentos para conducir todo por el camino de la farsa, de la brillantez elemental y eficaz. Los bostezos del entreacto fueron después neutralizados entre abiertas carcajadas, pero nadie entendía por qué esa americanización de Jardiel; por qué en su centenario se le quería desnaturalizar.

Enrique Centeno

Woyzeck **

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Autor: Georg Büchner.

Versión: Juan Mayorga.

Intérpretes: Javier Gutiérrez, Markos Marín, Chani Marín, Jesús Noguera,

Helio Pedregal, Lucía Quintana, Sergio Sánchez, Marina María Sereseski,

Mariano Martín, Trinidad Iglesias, Andoni Larrabeiti, Jon Bermúdez,

Críspulo Cabezas, Sara Sierra, Elena Castañeda, Ana Marita Zafra.

Escenografía: Max Gleenzel y Estel Cristià.

Iluminación: Juan Gómez-Cornejo.

Vestuario: Alejandro Andújar.

Movimiento escénico y coreografía: Chevi Muraday.
Dirección: Gerardo Vera.

Teatro: María Guerrero. (CDN) (11.3.2011)

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Reza otra vez el soldado Woyzeck. Conocido y necesario, siempre para poder admirarlo y emocionarse, y necesario para quienes aún no conozcan este anticipado teatro que escribió Georg Büchner. (Se ofrecen varios montajes en las anteriores páginas del blog).

    Juan Mayorga se ha ocupado de adaptar esta tragedia que el autor dejó algo desordenada e incluso incompleta. Un manuscrito aparecido en un cuaderno tras su muerte (v. 1830-1837), y que tardó casi medio siglo en ser publicado. El texto contiene 25 escenas, cortadas y enlazadas sin sucesión, y un final imaginable pero no presente. Entre los personajes internos, una es la Coplera, y se monta como prólogo inicial. A Gerardo Vera le gusta Brecht -quien conoció la obra de su compatriota Büchner-, y ha utilizado esa distanciación montando una barraca o teatrillo portátil, verbenero, con una compañía que anuncia y avanza la verdadera historia de Woyzeck, entre la diversiones y la tragedia social. Brillantísima escenografía de Glaenzel y de Cristià, iluminada por Juan Gómez-Cornejo. Juegos de lucimiento coreógrafico entre bailes, rupturas y textos en altavoz. Oiremos, entre otras, la copla popular sobre los acontecimientos: “Esta es una triste balada./ La historia de un pobre Woyzeck; / de él nunca se supo nada/ después de lo que os contaré/ ¡Pobre Woyzeck! ¡Oh, pobre Woyzeck!” (Este texto puede no ser idéntico al de esta versión).

    Con este decorado, toda la historia aparece hundida en un ambiente tenebroso. Un justo expresionismo que, sin embargo, impide crear escenas vivientes. Se ha construido en la zona central una baja fosa que sirve para recoger algunos de los momentos más íntimos. Es aquí –o así lo podemos pensar- la casa de Woyzeck y Marie, mujer que ha olvidado ya su amor entre rechazos, desprecios y protestas por la pobreza y su maternidad. Aquí sucede una de las perfectas escenas de la obra. La sensualidad de Marie y el macho Tambor Mayor que poseerá a la mujer -y que más tarde la abandonará-, en una apasionante y plástica composición: con dos formidables intérpretes, tanto Lucía Quintana, como Markos Marín.

    El mismo espacio sirve para formar un pantano en el que se encorvan las altas cañas que deben recoger tanto Woyzeck como Andrés, compañero de la pobreza, en conversaciones sobre la carencia, personaje que interpreta con talento Chani Martín.

    La primera acción de la obra es siempre sorprendente, potente, en la que nuestro soldadito, barbero del cuartel, afeita al Capitán -Jesús Noguero, perfecto- en movimientos corporales que acercan el filo de la navaja a su cuello como una tentación. Es en realidad el comportamiento del mando y del criado. Desde este momento nos enseña Büchner el poder y la sumisión, el conocimiento ante la ignorancia. La misma actitud tendrá el Doctor, decidiendo juntos hacer el experimento con Woyzeck, una cobaya humana. Con este médico hace una rica creación el actor Helio Pedregal.

    Son tantas humillaciones, miserias y metamorfosis médicas, que la desvergonzada y adúltera Marie terminará como estaba previsto en la tragedia; él se alejará con las ropas ya teñidas de sangre.

    Este tormentoso Woyzeck es complicado, necesita un análisis entre el levantamiento, sus reacciones ante la represión y la respuesta a su destrucción por el poder, la necesaria respuesta violenta y valiente. Javier Gutierrez es un estupendo actor, pero a este personaje no le ha terminado de entender o de reflejar. Lo hace un poco tonto, medio idiota, como con una mente pobre; no se acerca más allá de la inocencia o la espontaneidad criminal comprando ese cuchillo; no llegamos a comprender o a entender qué le está pasando durante la obra hasta llegar a su decisión final. Con todo respeto, aseguramos que el personaje se le ha escapado del todo.

    No es malo el montaje, pero no contiene la suficiente tensión en el viaje de Woyzeck.

Enrique Centeno

Largo viaje hacia la noche ***

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Autor: Eugene O'Neill. Versión de Rigola.
Traducción de Ana Antón-Pacheco.
Intérpretes: Chete Lera, Mercè Aranega, Israel Elejalde,
Oriol Vila.
Escenografía: Max Glaenzel, Estel Cristià.
Vestuario: Berta Riera.
Dirección: Àlex Rigola.
Teatro: La Abadía. (7.3.2006)
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El viaje del nuevo teatro norteamericano, lo inició Eugene O’Neill (1888-1953) mostrando la oculta sociedad del verdadero fracaso del sueño familiar y que él, aventurero –también actor-, conocía bien en su propia vida, lo que le hizo reflexionar desde el hospital donde pagaba su tuberculosis. Escribió Largo viaje hacia la noche con su cercana autobiografía, después de haber obtenido el Premio Nobel (1936). Pintó un cuadro realista, y el drama sorprendió al público, nunca dispuesto a aceptar las verdades.

    La familia de Tyrone la forman el matrimonio y dos hijos. Aquel nido lo arrastra el tacaño padre frustrado. A Mary, la madre, temerosa y frágil, le será imposible deshabilitar su adicción a la morfina. James, el hijo mayor, dependiente y fracasado, se convertirá en un alcohólico amante de las prostitutas. El cuarteto de esta familia lo completa Edmundo, el más joven y débil, condenado por su incurable tuberculosis.

    El padre, que había sido un elevado actor, abandonó a sus personajes de Shakespeare, y ahora los recuerda, tras su cambio al mal teatro de mayores ganancias. Podemos escuchar aquellos versos que repite en sus voces y gestos: César, como el amor-ambición de su casa; Lear, el Tyrone rey de la vivienda-castillo con sus servidores, mujer e hijos; Otelo, el castigador; El Mercader de Venecia, obsesionado y usurero.

    Nos situamos en el domicilio, sin lujo, amarronado, alargado, con una formidable escenografía de Mak Glaenzel y Estel Cristià. Estantería de libros, una guitarra inútil y desordenados objetos que recuerdan una especie de cuadro cubista de Joan Gris. Esta noche llueve el alcohol, crecen los enfrentamientos, las verdades y realidades. En el exterior va cayendo, mientras tanto, un diluvio que los aísla: imposible agarrarse a los cariños internos y se ahogan. O’Neill –su biografía- los junta uno a uno, con las acusaciones y realidades. La vivienda gira, y aparece el salón cuyo fondo, a sus espaldas, es todo cristales de agua, como un tranvía que marca el Largo viaje hacia la noche.    
   Así contó el autor su propio drama, reducida esta versión a una duración de dos horas, y traducido -como casi siempre- su Long Day’s Journay into Night. Un texto tan rico, que toda la función mantiene la tensión, gracias a los cuatro intérpretes -y su director-. Así, los personajes son creaciones perfectas, difíciles, poco comunes en el teatro naturalista. Es una lección de ausencia de trucos, efectismo y falsedades, como la magistral conversión de Chete Lera en ese complejo padre Tyrone. Su esposa, Mary, la inteligente actriz Mercè Aranega, va mostrando sus dolores físicos, sus sufrida sumisión, como un fantasma víctima del dueño de la familia. Edmund, el menor, muestra su debilidad entre la inteligencia y la crítica oculta, y también lo hace perfectamente Oriol Vila. El hijo mayor, perdido en la sociedad, abandonándose, de pronto monta el levantamiento contra los abusos de su padre, es el actor Israel Elejalde quien hace que se comprenda su hundimiento.

    Con este formidable reparto puede bien Àlex Rigola mostrar, una vez más, su gran talento, como esperábamos ya al acudir al estreno.

Enrique Centeno