El cartero llama siempre dos veces **

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Autor: James M. Cain.
Intérpretes: Socorro Anadón, Jaroslaw Bielski,
Luis Martí, Raúl Chacó.
Escenografía y vestuario: Malkorzata Zak .
Dirección y adaptación: Jaroslaw Bielski.
Teatro: Réplika (10.3.2007). Vista el 19.5.2007.
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Al cine ha llamado ya dos veces El cartero, ambos con dos excelentes trabajos, en 1946 y en 1981, siendo esta última –con Jack Nicholson y Jessica Lang- la novela de James M. Cain, que contó con el guionista y dramaturgo David Mamet. Una de las diferencias esenciales consiste en la adaptación que ha querido inventar Jaroslaw Bielski, comenzando la historia en la tercera parte con una vuelta atrás y después una vueltas adelante. La escenografía, de Malgorzata Zak, es una especie de calabozo cuyas rejas, a media luz, giran creando los distintos lugares de las acciones, desde la prisión a un despacho, de aquí al dormitorio o al exterior en la corbata. Tanto esta creación como la iluminación, son un llamativo mundo de serie en blanco y negro. Estos personajes de Cora y Frank viven en un mundo rocoso en el que se entremezcla el violento deseo con la desconfianza y traición hasta llegar al esperado drama rojo. Dos seres aparentemente sencillos cuya pasión enseguida se convierte en una continua complejidad: el inteligente viajero, vulgar, sin trabajo –lo hace muy bien el propio director- se encuentra en ese lugar, solitario –bar, restaurante, gasolinera como en Bus Stop- con esa mujer irresistible, entonces aburrida e insatisfecha junto a su inocente marido. El espectador no siente entusiasmo entre diálogos o escenas rotas, que, simplemente, facilitan el conocido argumento.
El director sabe muy bien montar estos planos largos, pero no consigue un acercamiento al realismo actual de este texto, que no es mucho más que una magnífica novela. Y nos parece extraño que Bielski se meta en esta obra después de salir del montaje de Esperando a Godot en la pasada temporada. Además, el reparto debería incluir buenos actores –aquí no los hay- imprescindiblemente. En el conjunto se salva, junto a él mismo, la actriz Socorro Anadón en su personaje de Cora.
Enrique Centeno

Hamlet *

Es un espacio vacío, un rectángulo en cuyos laterales se sitúa el público, muy próximo a los actores. Sin la cuarta pared, los intérpretes desnudos de atrezzo y de mobiliario. Atrevimiento para esta compañía, cuyo limitado reparto utiliza los dobletes e incluso la reducción del texto. El piso, una extensa moqueta roja, evidencia el sentido trágico. Un gran espejo juega con una inteligente iluminación diferenciando las escenas; el salón real, la nocturnidad, las soledades, el cementerio y el sangrante final.
Como todas las tragedias de Shakespeare, Hamlet es complicado, y son imprescindibles grandes actores, especialmente con el más histórico personaje. Lo hacen con todo entusiasmo Raúl Chacón; o el Rey, Borja Manero, con aceptables resultados. Todo el equipo lo es, pero se les ordena sus visibles fortalezas -a excepción de Socorro Anadón, la Reina- y los actores recurren a grandes voces que rompen en gritos, violentos textos, lo mismo que en las reflexiones y conversaciones, incluyendo la soledad del Príncipe de Dinamarca. La dirección del respetado Jaroslaw Bielski se centra sobre todo en ritmos, movimientos y composiciones; pero ignoramos porqué ha abreviado, precisamente, la escena del los cómicos a quien contrataba Hamlet. Lo que Shakespeare pone en sus palabras son normas para los actores o cómicos. “… La acción debe corresponder a la palabra (…) no atropellando la simplicidad de la Naturaleza (…) un espejo en que vea la virtud su propio carácter (…) Si esa pintura se exagera o se debilita existirá la risa (…); que al verlo hincharse y bramar no los juzgué de la especie humana, sino una simulaciones rudas…” Son instrucciones ya históricas citadas por el bardo, así como por Lope de Vega. Deberían estar en las paredes de las aulas de escuelas superiores, academias, y enseñantes del teatro clásico.
Enrique Centeno
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Autor: William Shakespeare.
Traducción: Ángel Luis Pujant.
Intérpretes: Raúl Chacón, Borja Manero, Socorro Anadón,

Pablo Castañón, Niko Zamiat, Daniel Ghersi, Marta Egu,ia,

Luis Martí,José Manuel Taracido, Antonio Martín.
Escenografía y vestuario: Malgorzata Zak.
Dirección: Jaroslaw Bielski.
Teatro: Réplika (9.2.2008)

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El amor de Fedra *

La autora británica Sarah Kane (1971-1998) escribió y estrenó media docena de obras que provocaron cierto escándalo por la ruptura violenta de temas clásicos. Entre nosotros es muy poco conocida, y menos aún representada. Kane padecía una psicopatía social, y a sus 27 años decidió suicidarse mediante fármacos. Una de sus obras, escrita dos años antes, fue esta El amor de Fedra, sobre el mítico personaje de Eurípides. Hemos sabido que se dirigió con los personajes paseando por el patio, sentados por el suelo los espectadores. En España se ha puesto en escena, hace ocho años, aquél último texto, 4.48 Psicosis, por una Compañía Alternativa (Teatro El Astillero).
Este montaje que hemos visto hoy ha preferido disfrazar a los intérpretes con negros vestuarios muy propios para los ejercicios de preparación de la escuela de teatro, y un personaje principal con su aspecto japonés del clásico Nô. Entre textos de frases poéticas o trágicas, los intérpretes saltan unos sobre otros. Se entremezclan en traslados coreográficos, superponen sus cuerpos, se arrastran y giran por el suelo o hacen gimnasia artística. Yo creo que ya pueden pasar curso, y comenzar tras el previo calentamiento.
Estamos asombrados de conocer a esta distinta o incomprensible Fedra, como a su amado hijo Hipólito. Nos recordó que estos nombres coinciden tanto en el original de Eurípides como en sus adaptaciones de Séneca o la filosófica versión de Unamuno. Cada uno tiene su invento.
E.C.
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Autora: Sarah Kane.
Intérpretes: Pablo Castañón, Ani Rubio,

Irene Ambel, Saniel Ghersi, Alex Reig, Alejandro Pantany,

Lorena Roncero, Tamara Berbés.
Vestuario: Colmena Arteatro.
Escenografía: J.M. Taracido.
Dirección: José Manuel Taracido.
Teatro: Sala Réplika (27.6.2008)

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